Зарубежные театры список. Самые известные театры в мире

Театр XX века – это театр поисков и многочисленных экспериментов, давших ему новые формы и средства выразительности, особый художественный стиль. В XX в. на смену ведущим направлениям – реализму и романтизму – в театр приходят новые, противоречивые течения, которые назовут модернистскими. На театральное искусство XX века существенное влияние оказала новая драматургия, представленная такими именами, как Г. Ибсен (Норвегия), Б. Шоу (Великобритания), Г. Гауптман (Германия), Р. Роллан (Франция). Пьесы этих авторов на несколько десятилетий определили характер и особенности развития театрального искусства.

Джордж Бернард Шоу (1856 -1950 г. г.) Британский (ирландский и английский) писатель, романист, драматург, лауреат Нобелевской премии в области литературы. Положил начало формированию интеллектуального театра, воспитывающего сознание и разум зрителей.

Шоу выступал за театр высоких идей, способный научить мыслить, а значит, и действовать. Создал теорию «сверхчеловека» , человека будущего, который обладает способностью изменять к лучшему не только себя, но и окружающий мир. Его герой преисполнен добрых, а не злых помыслов, главная цель – созидание, а не разрушение. Бернард Шоу пользовался особым способом изложения проблем – парадоксом. Вот почему в его произведениях одновременно присутствуют комическое и трагическое, возвышенное и низменное, фантастика и реальность, эксцентрика, буффонада и гротеск. Суть и смысл творчества Шоу заключался в словах: «Самая смешная шутка на свете – говорить людям правду»

Авангард в театральном искусстве. Новые, модернистские течения театрального искусства XX века – это: экспрессионизм в Германии; футуризм в Италии; конструктивизм в России; сюрреализм во Франции.

Экспрессионизм в Германии. В конце Первой мировой войны в Германии возникло новое направление, отчетливо выразившее отчаянный протест против Эдвард Мунк "Крик" бездушного отношения к страданиям (1895 г.) человека. Тяжелые последствия войны диктовали театральной сцене новые темы и формы, способные пробуждать душу и сознание человека. Этим направлением стал экспрессионизм (фр. «выражение») Театральная сцена открывала перед зрителями все нюансы сознания героя: видения, сны, предчувствия, сомнения и воспоминания. Драматургию немецкого экспрессионизма называли «драмой крика» . Героям театральных пьес виделся конец света, грядущая всемирная катастрофа, «последний катаклизм» природы. Маленький человек, с глазами, полными безнадёжного отчаяния и крика, представал на сцене экспрессионистского театра Германии.

ЛЕОНГАРД ФРАНК (1882 -1961 г. г.) Название первой его книги - «Человек добр» (1917 г.) - стало девизом экспрессионистов, программным лозунгом их «революции любви» . Произведения: Роман «Шайка разбойников» (1914 г.); новелла «В последнем вагоне» , (1925 г.); в романе «Слева, где сердце» (1952 г.) выразились симпатии Франка к социализму. Театральные пьесы были поставлены В Швейцарии, Франции, Великобритании, США, СССР.

Сюрреализм во Франции. (фр. «сверхреализм» , «стоящий над реальностью») Последователи С. отрицали логику в искусстве и предлагали художникам обратиться к сферам человеческого подсознания (к сновидениям, галлюцинациям, бредовым речам), сохраняя некоторые черты действительности. Жан Поль Сартр (1905 – 1980 г. г.) – французский философ и писатель. В 1943 г. поставил в оккупированном Париже драму – притчу «Мухи» на сюжет античного мифа об Оресте.

«Эпический театр» Бертольда Брехта (1898 – 1956 г. г.) – немецкого драматурга XX века. Использовал в своих постановках комментирование событий со стороны, ставит зрителя в положение наблюдателя, включал в спектакли выступление хора, песни – зонги, вставные номера, чаще всего не связанные с сюжетом пьесы. Широко использовались в спектаклях надписи и плакаты. «Эффект отчуждения» - особый приём, когда перед зрителями представали певец или рассказчик, комментирующие происходящее совсем не так, как это могли сделать герои. (Люди и явления представали перед зрителями с самой неожиданной стороны)

«Трёхгрошовая опера» - написана в 1928 году в сотрудничестве с Э. Гауптман; в жанре зонг-оперы; композитор Курт Вейль.

Наследие Брехта. Художественные принципы эпического театра Брехта развивали многие режиссёры мира. В Италии они были положены в основу уникальной режиссуры Джорджа Стрелера (1921 – 1997 г. г.) в миланском «Пикколо – театре» (1047 г.) В России были поставлены спектакли по произведениям Брехта: «Добрый человек из Сезуана» (Юрий Любимов в Театре на Таганке, 1964 г.), «Кавказский меловой круг» (Роберт Стуруа в Театре им. Ш. Руставели, 1975 г.), «Трёхгрошовая опера» (Валентин Плучек в Театре сатиры и Владимир Машков в «Сатириконе» 1996 – 1997 г. г.)

В театре продолжался период обновления , начавшийся в 70-90-е гг. XIX в. Через натурализм к символизму и реализму - таков путь европейских театров того времени.

Зарубежная драматургия конца XIX - начала XX вв. представлена именами

• Б. Шоу (Англия; «Дома вдовца», 1892, «Профессия миссис Уоррен», 1894, «Пигмалион», 1913),
• Р. Роллана (Франция),
• Г. Ибсена (Норвегия),
• Г. Гауптмана (Германия),
• М. Метерлинка (Бельгия) и др.

В это время в театре преодолевался застой, начавшийся еще со времен романтизма. Крупнейшим реформатором театра был норвежский драматург Генрик Ибсен (1828-1906), который руководил театром сначала в Бергене (1852-1856), потом - в Христиании (1857-1862). Он изменил драматургическую структуру пьесы, он стремился сделать зрителя не созерцателем, а участником спектакля, хотел заставить задуматься его над происходящим на сцене. Ибсен преодолел господствующую в театре «инерцию хорошего конца» . Реалистическая драматургия Ибсена обличала буржуазные право, мораль, религию. Его герои динамичны, ищут себя. С творчества Ибсена в театре начинается новый этап . Его пьесы «Кукольный дом» («Нора», 1879), «Доктор Штокман» («Враг народа», 1882) обошли сцены многих стран Европы, в том числе и России. В них рассказывается о жизни маленьких провинциальных городов, построенной на лжи, лицемерии, ханжестве. Когда же кто-нибудь пытается сказать правду, его объявляют врагом общества.

Последователем идей Ибсена был его младший современник швед Юхан Август Стриндберг (1849-1912). Стринберга тоже привлекает духовный мир человека , но его герои бегут от реальной жизни, они занимаются самоисследованиями, прячутся в семье или в одиночестве («Фрекен Юлия», «Пляска смерти», «Кристина» и др.) - сказывались настроения декадентства. Стриндберг был родоначальником теории «Интимного театра» , получившей развитие в современном театре. Разрыв между гуманистическим идеалом художника и буржуазной действительностью заставлял драматургов, режиссеров и артистов искать новые выразительные средства, новую образность. Эти поиски велись в области символизма. Символическая образность привлекала великого норвежского драматурга Ибсена, это чувствуется в поздних его пьесах («Строитель Сольнес», «Росмерсхольм», «Когда мы, мертвые, пробуждаемся» и др.).

Символизм отразился и на творчестве

• Гауптмана,
• А. Стриндберга (Швеция),
• У. Б. Йейтса (Ирландия),
• С. Выспяньского,
• С. Пшибышевского (Польша),
• Г. Аннунцио (Италия).

Крупнейшим драматургом и теоретиком символизма был Морис Метерлинк (1862-1949). Его человек существует в мире, где его окружает затаившееся, невидимое зло. Герои Метерлинка - слабые, хрупкие существа, неспособные защищать себя, изменить враждебные им закономерности. Но они сохраняют в себе начала человечности, духовную красоту, веру в идеал. Поэтому его пьесы полны драматизма и высокой поэтики («Смерть Тентажиля», «Пелиас и Мелисанда» и др.). Он создал классическую форму символической драмы с ослабленным внешним действием, прерывистым, полным скрытой тревоги и недосказанности диалогом. Каждая деталь обстановки, жест, интонация актера выполняли в ней свою образную функцию, участвовали в раскрытии главной темы - борьбы жизни и смерти. Символом этой борьбы становился сам человек, окружающий мир был выражением его внутренней трагедии. Пьесы Метерлинка шли по всей Европе, ставили его и в России, где символизм возник позднее (во МХАТе в 1904 г. были поставлены его «Слепые», «Непрошеная», «Там внутри», в 1908 «Синяя птица»; в Петербурге, в театре В. Крмиссарржевской «Сестра Беатриса»).

Режиссеры-символисты П. Фор, О. Люнье-По, Ж. Руше во Франции, А. Аппиа в Швейцарии, Г. Крэг в Англии, Г. Фукс, отчасти М. Рейнхардт в Германии стремились в своих постановках преодолеть конкретность бытового, натуралистического изображения действительности, господствовавшего в театре того времени. Тогда в практику сценического искусства стали входить условные декорации , среда и место действия обозначались обобщенно и концентрированно, без подробностей.

Сценография (оформление сцены) стала согласовываться с настроением того или иного фрагмента пьесы, активизировать подсознательное восприятие зрителей. Для решения этих задач режиссеры объединили средства живописи, архитектуры, музыки, цвета и света; бытовая мизансцена сменилась мизансценой пластически организованной, статичной. Огромное значение в спектакле приобретает ритм, отражавший скрытую «жизнь души», напряжение «второго плана» действия. Постановщики стремились сблизить актеров и зрителей, создавая общее настроение, при этом активно использовалась машинерия. Это было время благодатного синтеза искусств . Поиски шли во всех видах искусства, а представители разных видов искусства стремились сотрудничать и экспериментировать вместе, создавая новые средства выразительности.

В театре это было время, когда режиссер становился ведущей театральной профессией, теперь он отвечал за всю постановку в целом и осуществлял ее. А XX век уже стал временем не только великих драматургов и артистов, но великих режиссеров.

Так, в 1902 г. артист Макс Рейнхардт (1873-1943) создал Камерный театр , в котором работали крупнейшие актеры: Роза Бергенс, Райхер, а также новые знаменитости такие, как Гертруда Эйзольд. Театр обратился к драматургам авангардистской ориентации (Уайльд («Соломея»), швед Август Стриндберг, Франц Веденкинд). Слава к театру пришла с постановкой на его сцене пьесы Горького «На дне». Поставленная в плане отчасти символистском, отчасти предвещающем экспрессионизм, потрясла публику. За два сезона пьеса прошла более 500 раз, и ободренный успехом Рейнхардт открывает еще один театр - Новый , где ставится в 1905 г. «Сон в летнюю ночь» Шекспира. Колоссальный успех постановки заставляет говорить о Рейнхардте как о ведущем немецком режиссере . Новый театр сливается с Немецким театром Брама (см. выше) и Рейнхардт получает широкие возможности для работы. Он далеко уходит от натурализма Брама, заново ставит целый ряд пьес Гауптмана и Ибсена, стремясь передать в них прежде всего мучительные духовные искания героев, кризис сознания, муки безысходной страсти.

На многих режиссерских работах Рейнхардта лежит печать декадентства, но все они отмечены большой художественной смелостью, подлинно новаторскими открытиями. Рейнхардт создает новый тип актера , требует от своих исполнителей аналитического подхода к пьесе, правды переживания, живого творчества на сцене, это сближает его с театром Станиславского. Условно стилизованное оформление мизансцен выполняли художники, близкие к авангардистскому направлению.

Рейнхардт ощущал ограниченность символизма и в новых поисках пришел к экспрессионизму . В шекспировских «Макбете», «Гамлете» и «Укрощении строптивой» режиссер резко обнажил театральность разыгрываемого на сцене представления, даже с элементами «плакатного» стиля. Он использовал принципы театра масок, вводил буффонаду, добивался в спектаклях единой сквозной ноты. Неустанно экспериментируя, Рейнхардт с 1910 г. начал ставить спектакли на огромной арене берлинского цирка Шумана. Здесь он опробовал свои идеи массового спектакля, призванного возродить античные представления с их мифотворчеством на сцене («Царь Эдип» в переделке Гофмансталя, «Сестра Беатриса» Метерлинка). Эти опыты вызвали резкие споры, но они непосредственно предвосхищают последующие искания Брехта и других драматургов экспрессионизма, стремившихся вовлечь в действие зрителя, показать на сцене устремления и побуждения огромных масс людей.

Близким к Рейнхардту путем шел английский режиссер Гордон Крэг . Он начинал как актер в труппе Генри Ирвинга, где играл в пьесах Шекспира вместе со своей матерью, выдающейся актрисой Эллен Терри. Он решительно отказался и от опыта Ирвинга, и от натурализма и пошел по пути чисто символического спектакля . Свои взгляды Крег изложил в книге «Искусство театра» (1911). Задачей театра он объявил создание спектаклей философской проблематики, погружение в мир условности, в «невидимый мир» духа. Театр не должен быть ни жизнеподобным, ни строго говоря, психологическим. Его цель, по мнению Крэга, - в зримых образах воссоздать некие вечные, взятые вне исторического контекста проблемы человеческой жизни, философские загадки бытия. Поставленный Крэгом «Гамлет» был драмой о конфликте духовных и плотских побуждений. «Саломея» Уайльда решалась как изысканно-абстрактная трагедия страсти.

Крэг отказался от отображения своей эпохи и этим обрек свою реформу на неудачу. Но его находки такие, как

• принцип декоративного оформления спектакля,
• использование поднимающихся сценических площадок,
• стремление максимально сократить расстояние между актером и зрителем,
• перенесение действия со сцены в зал,

были использованы многими выдающимися режиссерами, в том числе В. Э. Мейерхольдом. Гордона Крэга отличает дух творческого поиска , который был свойственен европейскому искусству того времени. А там, где есть творчество, там обязательно есть достижения и просчеты.

В это время всемирную известность имела итальянская актриса Элеонора Дузе (1858-1924). Ею восхищались лучшие люди эпохи, такие как Станиславский и Блок. Властительницей дум была и француженка Сара Бернар (1844-1923).

• Театр XX века – это театр поисков и многочисленных экспериментов, давших ему новые формы и средства выразительности, особый художественный стиль.

• В XX в. на смену ведущим направлениям – реализму и романтизму – в театр приходят новые, противоречивые течения, которые назовут модернистскими.

• На театральное искусство XX века существенное влияние оказала новая драматургия, представленная такими именами, как Г. Ибсен (Норвегия), Б. Шоу (Великобритания), Г. Гауптман (Германия), Р. Роллан (Франция).

• Пьесы этих авторов на несколько десятилетий определили характер и особенности развития театрального искусства.

Джордж Бернард Шоу (1856-1950 г.г.)

• Британский (ирландский и английский) писатель, романист, драматург, лауреат Нобелевской премии в области литературы.

• Положил начало формированию интеллектуального театра, воспитывающего сознание и разум зрителей.

• Шоу выступал за театр высоких идей, способный научить мыслить, а значит, и действовать.

• Создал теорию «сверхчеловека», человека будущего, который обладает способностью изменять к лучшему не только себя, но и окружающий мир.

• Его герой преисполнен добрых, а не злых помыслов, главная цель – созидание, а не разрушение.

• Бернард Шоу пользовался особым способом изложения проблем – парадоксом.

• Вот почему в его произведениях одновременно присутствуют комическое и трагическое, возвышенное и низменное, фантастика и реальность, эксцентрика, буффонада и гротеск.

• Суть и смысл творчества Шоу заключался в словах: «Самая смешная шутка на свете – говорить людям правду»

Пьесы Б.Шоу

• «Дом, где разбиваются сердца» (1913 -1919 г.г.)

Авангард в театральном искусстве.

• Новые, модернистские течения

• театрального искусства XX века – это:

• экспрессионизм в Германии;

• футуризм в Италии;

• конструктивизм в России;

• сюрреализм во Франции.

Экспрессионизм в Германии.

• В конце Первой мировой войны в Германии возникло новое направление, отчетливо выразившее отчаянный протест против бездушного отношения к страданиям человека.

• Тяжелые последствия войны диктовали театральной сцене новые темы и формы, способные пробуждать душу и сознание человека.

• Этим направлением стал экспрессионизм

• (фр. «выражение»)

• Театральная сцена открывала перед зрителями все нюансы сознания героя: видения, сны, предчувствия, сомнения и воспоминания.

• Драматургию немецкого экспрессионизма называли «драмой крика». Героям театральных пьес виделся конец света, грядущая всемирная катастрофа, «последний катаклизм» природы.

• Маленький человек, с глазами, полными безнадёжного отчаяния и крика, представал на сцене экспрессионистского театра Германии.

ЛЕОНГАРД ФРАНК (1882-1961 г.г.)

• Название первой его книги - «Человек добр» (1917 г.) - стало девизом экспрессионистов, программным лозунгом их «революции любви».

• Произведения:

• Роман «Шайка разбойников» (1914 г.);

• новелла «В последнем вагоне», (1925 г.);

• в романе «Слева, где сердце» (1952 г.) выразились симпатии Франка к социализму.

• Театральные пьесы были поставлены В Швейцарии, Франции, Великобритании, США, СССР.

Сюрреализм во Франции. (фр. «сверхреализм», «стоящий над реальностью»)

• Последователи С. отрицали логику в искусстве и предлагали художникам обратиться к сферам человеческого подсознания (к сновидениям, галлюцинациям, бредовым речам), сохраняя некоторые черты действительности.

• Жан Поль Сартр (1905 – 1980 г.г.) – французский философ и писатель.

• В 1943 г. поставил в оккупированном Париже драму – притчу «Мухи» на сюжет античного мифа об Оресте.

«Эпический театр» Бертольда Брехта (1898 – 1956 г.г.) – немецкого драматурга XX века.

• Использовал в своих постановках комментирование событий со стороны, ставит зрителя в положение наблюдателя, включал в спектакли выступление хора, песни – зонги, вставные номера, чаще всего не связанные с сюжетом пьесы.

• Широко использовались в спектаклях надписи и плакаты.

• «Эффект отчуждения» - особый приём, когда перед зрителями представали певец или рассказчик, комментирующие происходящее совсем не так, как это могли сделать герои. (Люди и явления представали перед зрителями с самой неожиданной стороны)

• «Трёхгрошовая опера» - написана в 1928 году в сотрудничестве с Э. Гауптман; в жанре зонг-оперы; композитор Курт Вейль.

«Мамаша Кураж и её дети» (1939 г.)

Наследие Брехта.

• Художественные принципы эпического театра Брехта развивали многие режиссёры мира.

• С самого начала человеческой цивилизации театр служил основным источником развлечений. В наши дни театральные и оперные постановки ничуть не утратили свою популярность и значимость, и тысячи людей по всему миру ежедневно посещают театры и наслаждаются этим прекрасным видом искусства.

  Здание любого театра - это уникальный мир со своей историей, традициями и тайнами. Давайте поговорим о тех из них, которые известны всему миру.

  Театр Ла Скала по праву является самым знаменитым театром мира. И больше всего его ассоциируют с оперой, хотя значимое место в репертуаре занимают также драматические спектакли и балет.

  Ла Скала, фото Rudiger Wolk

  Построен он был в 1778 году. Зал в форме подковы имеет пять ярусов лож. На сцене Ла Скала звучали произведения известнейших композиторов Беллини, Россини, Доницетти, Верди. Театр славится своей безукоризненной акустикой.

  У многих людей Австралия ассоциируется именно со зданием оперного театра в Сиднее . Оно легко узнаваемо и входит в число главных достопримечательностей страны. Это, пожалуй, один из самых знаковых театров современности.

  

  Сиднейский оперный театр, фото Shannon Hobbs

  Открытие состоялось в 1973 году. При строительстве главный упор делался на акустику и обзорность. Именно поэтому каждый зритель театра чувствует себя так, как будто приобрел билет на лучшее место в зале.

  Здание театра стало домом для Сиднейского Симфонического оркестра, Сиднейской Театральной Компании, Австралийского балета и Австралийской оперы. Более 1500 представлений проходят здесь ежегодно.

  3. Большой театр

  Большой театр в Москве - один из ведущих театров России и всего мира. Вместе с лучшим симфоническим оркестром он пережил пожар, войну и революцию.

  

  Большой театр в Москве, фото jimmyweee

  На входе посетителей встречает статуя Аполлона в колеснице, предвосхищая грандиозные представления, проходящие в театре. Большую известность имеет балетная труппа театра. Юрий Григорович ставил здесь легендарное «Лебединое озеро» и «Золотой век». Большой был открыт после масштабной реконструкции в 2011 году.

  4. Венская государственная опера

  Построенный в 1869 году, театр долгое время имел репутацию центра музыкальной жизни Вены и всей Австрии.

  

  Венская государственная опера, фото JP

  Во время Второй мировой войны здание подверглось бомбардировкам и было практически разрушено. Чудесным образом сохранилась лестница и еще некоторые части. Восстановили лишь в 1955 году. Сегодня она продолжает быть одной из главных мировых оперных площадок. Под сводами Венской оперы ежегодно проводятся традиционные балы.

  Дворец Каталонской Музыки находится в . Здание было официально открыто в 1908 году и практически сразу стало символом города. Великолепный стеклянный потолок, богатые росписи, витражи и скульптуры превратили его в настоящее произведение искусства. Это один из немногих театров, включенных в список культурного наследия ЮНЕСКО.

  

  Palau de la Musica Catalana, фото Jiuguang Wang

  Дворец является одной из главных театральных и музыкальных площадок Барселоны, где выступают многие мировые знаменитости. Здесь также проводят важные международные встречи и конференции, а для туристов организуются экскурсии.

  Театр Les Celestins - главный центр искусства города Лион во Франции. Это оперный театр, который подходит для грандиозных представлений и может вместить более 1000 человек. Зал в виде подковы разделен на несколько уровней, поэтому даже сидящие далеко от сцены зрители все хорошо видят и слышат. Интерьер выполнен в королевском стиле с использованием красных и золотых тонов. Снаружи здание более строгое, украшено статуями.

  

  Les Celestins в Лионе, фото Mirej

  Вот уже более двух столетий на сцене Les Celestins ставят лучшие пьесы, оперы, драматические спектакли и концерты.

  Театр Ковент-Гарден хорошо известен во всем мире. На его сцене проходят постановки Королевской Оперы и Королевского Балета. В этом величественном здании выступали звезды мировой классической музыки, начиная с 1858 года.

  

  Королевский оперный театр Convent Garden, фото

  Раньше в театр можно было попасть только перед началом представления при наличии билета. Сегодня же вы можете осмотреть его, совершив небольшую экскурсию.

  Еще одной известнейшей мировой сценой является музыкальный театр Метрополитен-опера на Бродвее в Нью-Йорке. Это лучший театр . Свои ведущие роли здесь исполняли такие знаменитости, как Энрико Карузо и Пласидо Доминго.

  

  The Metropolitan Opera House, фото Blehgoaway

  Ежегодно «Мет» дает более двухсот представлений. Время от времени ведутся их теле- и радиотрансляции.

  9. Одеон Герода Аттика

  Если вам захочется посетить театр, которому столько же лет, сколько самому искусству, отправляйтесь в Одеон Герода Аттика в . Это классический древний амфитеатр, построенный в 161 г. н. э. Изначально над ним была крыша, но она была разрушена.

  

  Одеон Герода Аттика в Афинах, фото Юкатан

  Театр вмещает 5000 человек, и на его сцене до сих пор проходят спектакли, балет и другие мероприятия. Даже Элтон Джон давал свой концерт в Одеоне.

  10. Театр Чикаго

  Чикагский театр был построен в 1921 году в так называемый «золотой век развлечений» и стал первым в своем роде роскошным театром для показа кино, мюзиклов и различных шоу. Постепенно он стал визитной карточкой Чикаго . Сегодня театр Чикаго - это смесь разных жанров и стилей, от спектаклей и комедий, до танцевальных шоу и поп-концертов.

  

  The Chicago Theatre, фото Leandro Neumann Ciuffo

  В мире есть еще огромное количество театров, каждый из которых достоин внимания. Во время своих путешествий по городам и странам обязательно посещайте театры, и не важно, знамениты они на весь мир, или известны только в маленьком городе. В любом случае вы получите уникальную возможность прикоснуться к прекрасному миру театрального искусства.

  Театр возник позднее других видов искусства. Вначале возникло изобразительное искусство (в 40 в. до н.э, - наскальные живописи). Долго развивалось сознание человека, и возникла письменность, опираясь на рисунок (где рисуночная, где иероглифы). Только финикийцы создали алфавит (буквенное обозначение). Появилась скульптура, литература. Потом музыка с математикой вместе. Позднее как итог эволюции возник театр в 5 веке до н.э. в Древней Греции, в Античности.

  Дата рождения театра – 27 марта 534 г. до н.э. Тогда состоялись первые дионисийские состязания в Афинах. В 1949 г. Юнеско приняли эту дату как день рождение театра. Да, он возник поздно. Он возник в одном единственном городе – Афинах (в Спарте театра не было).

  Античность – это период с 12 в. до н.э. по 5 в. Н.э. В тоже время существовали другие высокоразвитые цивилизации, не античные (Древний Египет, Древнее Иудейское государство)

  Когда заканчивается античность в 5 в.н.э. наступают средние века. Европейская культура тесно связана с культурой античного мира. Европейская культура стоит на античности как на основании.

  Потом наступит эпоха Возрождения в театре – 15-16 в.в.

  «17 век» в культуре – возникает множество больших стилей. Так и называется - «17 век».

  За 17 веком начинается Эпоха просвещения. Это 18 век. Эпоха просвещения сформировала современный тип сознания человека и современный тип государства.

  Великая Французская революция.

  19 век – стиль Романтизм – 1-я половина 19 века.

  Стиль Символизм.

  Все искусство 20 века – это Модернизм.

  Язык искусства меняется от того как человек воспринимает окружающий мир.

  Говоря об античности, абсолютно все, что создано было в европейской культуре – ВСЕ было создано в античности. ВСЕ! Не случайно изучали в дореволюционных гимназиях. К примеру, римская модель – модель любого государства. Соответственно общие законы.

  Античность началась в 12 в.до н.э. Греческие (дорические) племена перемещаются с материков на острова. Произошло событие, когда греческий флот захватил Трою и разрушил ее. Греки называли Трою Иллион. Это событие отражено в первом произведении «Иллиада» (песнь об Иллионе) дата 8 в. до н.э. , приписывают Гомеру.

  Греческие города разные. Они бесконечно воюют друг с другом. Но когда появляется внешний враг – они объединяются против него. И появляется понятие народа.

  Гаспаров «Занимательная Греция» (очень хорошая книжка).

  В этих городах (а они были не большие, как территория Кремля, где люди все друг друга знают, знают все друг о друге) сформировалось понятие Родины ОЧЕНЬ конкретное. Они конкретно понимали, за что воюют. За какие березки, за какие рябинки. Это важно. Греки проявляли особые чувства к этим городам-полисам. Полис – ну как село, но город. У всех есть рабы. Культура греческая базируется на рабском труде.

  
  
  

  Культура возникает ВОПРЕКИ греческому климату. Греция тогда - это голые скалы, на которых ничего не растет. И все полито потом и кровью. Чтоб хоть что-нибудь взошло.

  К 5 в. до н.э. выделяются Афины. Там выделяется афинская демократия - все свободнорожденные мужчины (не иностранцы и не рабы) принимают участие в управлении государством. Прозрачность власти, гражданский долг. Считалось, что после 30 лет мужчина может управлять государством. Появляется должность "тиран" - тот, кто выполняет волю народа. Это исполнительная функция. Их снимали с должностей, осуждали и обсуждали. «Власть народа" в Афинах опиралась на труд рабов. Такого больше не будет нигде. Демократическая форма правления приводит к росту социального самосознания у человека. Греция важна тем, что возникает социальное чувство у человека. Именно поэтому появился тут театр.

  (изобретение на щите ручки для держания приводит к созданию государства).

  Театр - искусство коллективное (на сцене и в зале группа и толпа). У театра есть правило: театр развивается там, где народ начинает осознавать себя как народ. Социальная зрелость. У каждого народа - свой период. В советское время многим народам насаждались театры, а народы-то не доросли до них, в итоге - пустые залы.

  И не случайно театр появился в Афинах. Он рождался из обрядов в честь Бога Диониса.

  Миф - это особый тип мировосприятия, это образ мышления, в ходе которого человек устанавливал связь между явлениями, осознавал окружающий мир через образы. Миф - это мышление в виде поэтического образа.

  Человечество с древних времен пытается понять, осознать себя. Главная проблема - проблема смерти. Почему живет, умирает, что дальше. Греческая мифология - вся на этом. Они находили подтверждение в природе, что смерти нет (зерно погибло, но появился росток, он умирал, но появлялся хлеб…) Человек пытался описать процесс смены времен года, суток.. Считали, что смерь - продуктивное состояние. (Миф об Осирисе - древнеегипетский). В греческой культуре из различных образов можно выделить "Миф о Дионисе". Он являлся Бого-Человеком.

  Кун "Легенды и мифы Древней Греции" (Кун - ученый - эллинист, историк. Он собрал все греческие тексты, попытался вычленить мифы и изложить в последовательную картину. Создается ощущение, что это сказка. За сказкой скрывается философский взгляд)

  Хтонический период (взаимодействие материй) - появляется 3 основные силы: Уран - небо, Гея - земля и Океан. Гея порождала уродов от Урана и в конце концов родился у них сын - Кронос. Он прекратил это беспорядочное воспроизведение форм. Он всех уродов заточил в недра Геи. С этого момента хаос закончился и началось Время и космос. Космос- порядок, хаос - беспорядок. Однажды Кроносу было предсказано, что его лишат власти, один из его сынов. Он заставлял Гею отдавать всех его сынов. Он их ел. Но одного она сохранила и сберегла. Это был Зевс. Он вырос, рассек Кроноса и из него вышли все поеденные дети, а он стал править.

  ВРЕМЯ воцарилось в мире – это синоним смерти. Оно проглатывает и умерщвляет. Зевс – это бог победивший смерть, и другие боги сделали его главным, Т.К. ОН ДАЛ БЕССМЕРТИЕ. Зевс – Бог, победивший смерть. Так вот, Дионис - сын Зевса. Люди, по-греческой мифологии, это смертные существа. Они произошли из сажи (хлопьев) титанов. Они смертны. Зевс повадился к земной женщине Семеле. А Гера –жена его - хранительныца домашнего очага. Власть женщины в греческом обществе очень высокая. И Гера очень следила за мужем. И она проследила Зевса, и пришла к Семеле и обязала просить Семелу у Зевса, чтоб тот пришел к Семеле в образе Зевса, а не человека. И Он явился. Это был громовержец, это гром и молнии. Боги - это сила, которая правила Титанами. Есть Титан - Океан, а есть Бог - Посейдон. Земной человек не может выдержать вид Бога. И они появлялись людям в различных обличьях.

  Идея лабиринта - поиск внутреннего смысла. Либо погибает там, либо выходит. Это модель человеческой жизни. (Остров Крит - дворец Минотавра - центр цивилизации).

  Семела увидела Зевса как Зевса и сразу умерла, выкинув недоношенного ребенка. Он родился первый раз через смерть матери. Зевс берет его и зашивает к себе в бедро и донашивает 9 месяцев, и рождает его. Дионис - воплощает идею вечной жизни, возрождение через смерть. Дионис имеет растительное обозначение - плющ (виноградная лоза). Даже зимой, единственный, кто остается зеленым - это плющ в Средиземноморье. Виноградная лоза росла 30 лет. Средняя продолжительность жизни греков - 35 лет тогда была. Они не видели, как она вырастала. Оливковые деревья росли с 8 в.до н.э. , и они росли 50 лет (и тогда смерть была за срубленное дерево). Лоза была привлекательна для греков тем, что из 1 ягоды появляется 4 косточки. Также смоква (инжир), гранат – так называемая «многокосточковая культура». Они почитались всегда. Почему? Т.к. Одно дает жизнь Многому.

  Но главное было, что из винограда можно было делать вино. Это было реальным подтверждением, что одно переходит в другое (живое через умерщвление порождает живое). Виноград, превращенный в вино и становится знаком Диониса. Латинское «Истина в вине» - вино – доказательство вечной жизни. Не случайно в христианском причастии обряд совершается через вино (кагор).

  Культ бога Диониса – мужской культ (это таинство, обряд, это не публичное). Праздник в честь бога Диониса проводился 1 раз в 2 года. Все это время ожидали «прибытия» Диониса. Все мифы о нем говорят, что его убивают и он превращается в виноградную лозу. Культ этот проводился так: люди (мужчины) уходили в леса. Участники – мисты. Мистерия – тайна. За разглашение обряда – смерть. Каждый участник культа должен был почувствовать себя Дионисом. Они рассказывали о Дионисе от первого лица: «Я ходил, я страдал…». Вот они показывают, что умирают – кладут на лицо виноградную гущу (умерщвленная плоть Диониса) – это прообраз театральной маски. (До сих пор есть обычай у романских народов, когда мужчины давят виноград). И эта виноградная маска на лице у мистов опьяняла, им становилось радостно и весело. , кстати, причстие в христ. Храме сейчас делается так – сначала человек постится, потом натощак дается ложка красного вина (кагора) – и появляется чувство гармонии, радости.

  Потом маска снимется с лица – Бог Воскрес! Человек знает главную тайну бытия – смерти нет!. Маска обозначает смерть бога, но эта смерть чревата жизнью, содержит зерна будущей жизни в себе. И веселит одновременно.

  А мисты не стояли на месте, они бежали, т.к. движение – жизнь. А потом еще появлялись менады – вакханки и они впадали в такое измененное состояние сознания, что их потом по лесам вылавливали. Обряд разрастался, и появилась потребность в выделении 1 человека – Жреца – основного исполнителя. Его действие более подлинное, более заразительное. Его поднимали над толпой, т.к. его надо всем видеть. Его сжали на телегу. Все остальные – хор. Руководитель хора – Корифей. Они (хор) спрашивают Жреца (исполнителя роли Диониса), а он отвечает хору. Такую же роль в христианской церкви выполняет священник (он как бы заменяет бога), а когда ему исповед. в грехах, он берет его грехи как бы на себя, очищая от них человека, а тот приняв ложку кагора возрождается к жизни). Самыми несчастными священниками были капелланы. Изживали в себе пороки, которые брали на себя.

  В обряде важный смысл в Жреце. Толпа жаждет его смерти. Конфликт возникает между богом (который все равно воскреснет) и толпой, которая хочет убить.

  Ладья – образ, ведущий человека к спасению. Храмы – это и есть корабль, ведущий человека к спасению.

  Движение в какой-то момент останавливается и начинает отдавать мистическую силу. На протяжении всего 5 в.до н.э. это не было зрелищем, это было обрядом. Актерам ставили памятники тогда в Греции, как Жрецам. Позже обрядовый смысл выветрился и актер превратился в шута.

  А человек случайно появился (по-древнегречески) – «дитя случая и нужды». Хлопья откуда произошли эти? – Когда Дионис родился и титаны решили его съесть, и его надо было съесть быстро, т.к. они знали, что он дитя Зевса. Они разорвали ребенка на части, выбросили фаллос и сердце, а тело кинули в котел. Пошли хлопья. Зевс увидел. Из вареного тел человека произошел Человеческий род, а Зевс подобрал фаллос и сердце и создал его заново.

  В Мифе есть много слоев.

  Обряд – люди сидели на склонах горы, а внизу в долине находился Жрец (это прообраз театра). Постепенно из этого начал создаваться собственно театр.

  В 5 в. До н.э. начинают строить определенные театральные пространства. Главная театральная площадка – орхестра. Она круглая, диаметром 40 метров. Орхестра в переводе – пою, танцую. В центре ее алтарь (химела). Перед ней в виде подковы - Театрон – места для зрителей (переводится как «вижу, смотрю»). С двух боков орхестры находятся Пароды (левый и правый). За орхестрой находится Скена (домик-палатка. Это дом, где живет Бог – дом Диониса). С двух ее боков небольшие флигели, где хранились маски, обувь… Скену с орхестрой соединял Проскений (лестница соединяющая) – здесь находился Актер.

  Места для зрителей всегда отражают модель современного общества. Афины были демократическими – здесь все места равны и все люди, сидящие на представлении видят не только сцену (как сейчас), еще и видят друг друга. Они смотрят не только за действием, но еще и за друг другом. Греки строили так, что была великолепная акустика. Для усиления звука подкладывались в ступени полые амфоры – резонаторы.

  Если зрительный зал отражает социальную модель общества, то сценическое пространство отражает религиозно-философскую модель общества.

  Что видим: центральное положение – орхестра. Тут действует хор – и это главное. Основные события разворачиваются не в хоре, хор – комментирует события. Но для грека был важен именно хор. Не случайно, что орхестра круглая – это символ вечности. Н пороге вечности стоит Бог. В точке пересечения дома Бога и вечности стоит Жрец. Ему трудно. Ему надо войти в вечность. А комментировать это будет хор.

  В греческом театре был сначала 1 актер. Act – действие, актер – действующий. Протогонист – 1 актер, главный актер в греческом театре. Он разговаривал с хором и корифеем.

  Со времен греческой трагедии – эволюция! Эсхил – создатель трагедии – выводит 2-го актера из хора. – Детерогонист. И действие усложняется. 1-й актер взаимодействует со 2-м актером, с хором.

  2-й греческий драматург – Софокл, выводит 3-го актера – Тритагонист («агон» - это спор, конфликт).Когда появляется 3-й актер, действие становится изощренным. 3-й актер при этом меняет маски.

  Как только стали вытаскивать из хора людей, хор стал сокращаться. Еврипид – 3-й драматург – ничего не менял уже.

  Театральные состязания – соревнования между драматургами. Все они были выдающимися политическими деятелями (Эсхил – полководец, Софокл – полководец). Драматургия – это хобби для них было. (кстати, Грибоедов тоже не драматург был). Это люди по воле души своей этим занимающиеся.

  Дионисийские игры.

  3 р. В году и связан. С праздником Диониса проводились эти игры.

  1-е игры проводились весной. 1 апреля наступала весна (когда день световой становился больше, чем ночь). Весна – когда все цветет, но не плодоносит. 22 июня заканчивалась весна. Лето приходило с наступлением летнего равноденствия. Осень – октябрь, ноябрь, декабрь. И зима в романских странах (Франция, Италия, Испания) начиналась с 25 декабря. У нас принят календарь на германский манер.

  Итак, 1-е представление дается в марте (в конце) – преодоление смерти; 2-е представление – в октябре (когда наступает осень) – смерть вступает в свои права; и в конце декабря – 3-е представление (когда смерть преодолена).

  Греки многому учились у египтян. Архимед ходил туда пешком даже. Все знали про числа. «Каждой вещи есть начало, середина и конец». Поэтому драматургов на состязании было 3. Каждый представлял по 3 пьесы на трагический сюжет, а четвертая – сатирова драма – комедия(воскресительный хвостик обряда в трагедию привнести).

  К примеру, трилогия «Ористея» Эсхила. Обряд был так: 1-я часть обряда – о страданиях Диониса. Сформировался жанр Трагедия (трагос – козел – воплощение + одэ (песнь). Дионис в животном обличье – «Козел отпущения грехов».

  2-я часть обряда – «Комедия» - (комос – веселая толпа, одэ – песнь) – воскрешение божества и ликование толпы.

  Это был обряд!

  Люди должны на состязаниях посмотреть 12 пьес. Целый день! Победителю делали стелу. Драматург искал человека, который брал на себя функцию администратора – Хорег. Очень важный и уважаемый человек.

  Как выглядел актер в греческом театре? Главный атрибут – маска. Где маска там театр пришедший из обряда. Маска берет начало из винной гущи. Усложняется и становится «Головой, надетой на голову актера» (там и прическа и резонатор – онкос). Она увеличивала пропорции. Но греки были фанаты гармонии. Поэтому на ноги надевались катурны или привязывались скамеечки. Ходить было нельзя. Поэтому актер стоял на проскении. Говорил монолог. А хор на орхестре танцует и поет. На руках у актера хитон, плащ (гематий). Пропорции были идеально соблюдены.

  1-й актер – Протогонист – стоял все время.

  2-й актер – приходил из парода и уходил в другой парод.

  А трагический хор, состоящий из 12 актеров делился на 2 полухория по 6 человек. Когда они говорили текст, они и танцевали и двигались одновременно. Это не пение и не речитатив. Поворот хора на орхестре (чтобы двигаться в другую сторону) – строфа; а движение в другую сторону – антистрофа. По какому признаку поэт стороны выделяет? – поворот хора на сцене – поворот мысли в стихе.

  Читая их пьесы, я читаю уже спектакль, режиссерскую экспликацию. Все классические тексты пьес не были предназначены для чтения – только для постановок (все до 19 века).Шекспировские пьесы также.

  Любая трагедия называется «СпАрода».

  С чего начинается спектакль – выход хора на орхестру. Текст его. Потом 1 эписодий – происходит событие между актерами; потом 2-й стасим – что хор говорит по поводу увиденного; 2 эписодий; 2 стасим; 3 эписодий; 3 стасим.

  Эксод – уход хора с орхестры (тоже не молча).

  Греческая трагедия состоит из 3-х эписодиев. Из этой структуры строится любой классический драматург. Вся мировая драматургия 3-х частная форма:

  1-я часть (эписодий) – завязка действия (события, что-то происходило, что дает толчок всему действию пьесы)

  2 часть (эписодий) – кульминация (вершина, высшая точка проявления конфликта). Спорящие стороны стоят друг перед другом в полный рост.

  3 часть – развязка – события, разрешающие конфликт.

  Европейская драматургия чуть усовершенствовала, доведя до 5-ти актной пьесы. (1 акт, 2, 3, 4,5). Тоже самое, только чуть добавилось.

  Трилогия – также строится: в первой части трилогии – завязка истории, во второй – кульминация, в третьей – развязка.

  Все тексты греческих пьес сочинялись на основе мифов. Тексты пьес никогда не отражали событий реальной жизни. Почему миф? Мифы – это была система восприятия мира, по мифам детей учили в школах – о законах жизни. Для нас сейчас это плоско, для них это жизнь. Они рассказывали о важных (известных) людям событиях. А сейчас театр только и отражает реальность. Греческий театр никогда этого не делал. Идея отражения реальности появилась только в середине 19 века. До этого – за сюжетом, сложные, смыслообразующие вещи были.

  Основные мифы – сюжеты.

  Эсхил «Прометей прикованный» (из трилогии только 1 сохранился)

  Сюжет пьесы прост: водят Прометея фигуры, он стоит и мучается, и главное, что он при этом говорит. Прометей – это Титан. Это очень интересный титан, т.к. он пожалел людей (которые произошли из хлопьев и живших в скотском состоянии). Он украл с Олимпа и принес огонь людям (этот огонь – это Знание). Он научил людей всему (научил добывать огонь, возделывать землю, ремеслам, лечению травами, колдовству = т.е. всему). И за то, что он украл – Зевс приказал приковать его к скале (он опасается Прометея?). Но не надо подменять. Зевс относится к нему сложно, т.к. тот Титан. И Прометей молчит и не говорит и знает будущее Зевса и знает, что тот обречен. Он знает будущее!

  Наказание: будет прилетать орел (это знак самого Зевса). Он будет прилетать, клевать печень и она каждый день будет заново отрастать. Почему печень? Для греков печень была очень таинственным органом (центральное место в организме). За что она отвечает? – догадывались, что она отвечает за кроветворение. По печени гадали предсказатели. Зевс выклевывал печень у Прометея. Прометей стоит. Появляется, превращенная в телку Ио, за ней летит шмель. И Прометей предсказывает ей, что она родит Геракла, который освободит от Зевса. И потом он проваливается со скалой.

  Мы видим: Герой трагедии – это благородное существо. Он собирается или уже сделал поступок по улучшению жизни. И совершая это действие, он нарушает закон бытия, порядок, ход вещей. Благодаря этому нарушению он становится преступником. С одной стороны – герой, с другой – преступник, т.к. ход вещей – это основа бытия. Что такое жизнь? – в греческой мифологии – там были такие Мойры (или Парки): одна – ткет нить жизни, вторая - …, третья – обрезает нить. Человеческая жизнь вплетается в полотно. Если нить гнилая, то страдает все полотно полностью. И это порядок вещей. Можно ли улучшить жизнь? – нельзя. Можно улучшить человека. «Познай самого себя» - на храме бога Апполона надпись (а другая сторона надписи «А мир оставь богам»). И порядок вещей неизменен.

  Мера – лежит в основе всего (не случайно они были математики, золотой сечение – пропорции). Прометей – хороший титан, но он нарушает меру. Но он знает все о себе. И тут мы сталкиваемся с: герой благороден, улучшает мир, ответственен за поступок, знает об обстоятельствах, он страдает и это поднимает его на новую ступень осмысленного бытия. Он понял, что как бы он не пытался улучшить мир – ничего не получится. Но вместе в тем – мир гармоничен: двойственное состояние, которое испытывает герой трагедии.

  Страдание. Греки рассматривали его как важную часть духа человека (то, что соединяет душу и разум). Мучается физически от духовного. Поговорка есть «Страдая учишься». Страдание позволяет открыть меру. Он конечно страдает. Он понимает, что он винтик, и что есть и замысел и промысел. Трагедия всегда поднимает человека на новую ступень.

  Сейчас в театрах трагедий нет. Это очень сложный жанр. Когда греки приходили в театр, они за сюжетом не следили. Они все знали. Они сразу знали больше, чем мы. А мы фиксируемся на сюжете.

  Сам миф «Орестея»: жили 2 брата: Отрей, Фест. Участвовали на состязаниях в колесницах. И Фест подпортил брату спицу и пришел первым. Отрей решил отомстить. Он пришел, убил его детей, сварил суп, накормил им брата, а потом спросил: «Где твои дети?». Единственный, кто остался жив из детей – Эгисф. Отрей совершил тягчайшее преступление. Взял, да и уподобил брата своего Кроносу, который ел детей. С этого момента над семейством Отридов было проклятье.

  Греки считали, что за поступок, совершенный 1 человеком, платит весь род до 7 колена. Каждый раз события будут усиливаться, чем дальше от основного события, тем страшнее и страшнее.

  Когда греческий флот движется к Илиону, у богов начинается конфликт (спор из-за которого и началась Троянская война) – боги на Олимпе собрались на пир, и не позвали богиню Раздора. Она пришла и подкинула яблоко с надписью «Прекраснейшей». Парис выбрал Афродиту и из-за этого началась Троянская война.

  Сын Отрея – Аганемнон – правитель. Аганемнон плывет на одном из кораблей. Наступает штиль. И ему говорят, что он должен принести в жертву свою дочь (Ифигению), чтобы ветер задул снова.. Он приносит ее в жертву. Дует ветер. Идет Троянская война.

  Он возвращается, а рядом с Клитемнестрой сидит Эгисф (выживший). И она приносит в жертву Аганемнона (а в Греции закон – нельзя проливать СВОЮ кровь. Если убили родственника – значит я должен отомстить, как будто меня убили). Она – Клитемнестра, имеет право убить мужа (т.е. чужого). А сын приходит (Боги мне приказали) и убивают Клитемнестру (мать). Орест идет в Дельфу: спрашивает «Что делать?». И там суд – разбивали горшок, а там черные и белые черепки. Белые – невиновен, черные – виновен. Когда считали вину Ореста, получилось поровну. И вмешалась в спор Афина – Паллада (рожденная из головы Зевса, в полном военном снаряжении, это богиня мудрости. Мудрость должна быть воинственной, и должна уметь защищаться). Герой трагедии – всегда преступник. Прощен одним голосом – голосом Мудрости.

  Он свободен. Идет в Спарту. И видит, что вдова Гектора (который дрался с Ахиллом) Андромаха в плену и в нее влюблен сын Ахилла (его звали Пир). Пир мучается, т.к. с одной стороны она рабыня, а с другой стороны вдова Гектора. А Андромаха сидит в храме. Фитида очень хотела, чтобы он был бессмертным (Ахилл). В храме Фитиды спасается от сына Ахилла Андромаха. Пир влюблен в Андромаху. Гермиона влюблена в Пира. Приходит Орест: «Ты обещала мне быть женой». «Да! Освободи меня от любви»……

  Как связаны все события!

  Когда они рассматривали свою жизнь реальную – они пытались только найти эти узлы-отражения.

  Греческие мифы отражают все законы.

  Об «Орестее».

  Единственная сохранившаяся до нашего времени трилогия.

  1 часть – «Аганемнон». Когда читаю пьесу, я читаю спектакль, а не литературное произведение..

  Пьеса «Аганемнон». Не Аганемнон главный герой, а Клитемнестра. Это видно из мизансценического рисунка. В доме точат жертвенные ножи. Клитемнестра готовит жертвоприношение. И мы не знаем какое это жертвоприношение – то ли встреча мужа, толи еще что… Далее, приход Аганемнона из парода. Это 2-й актер. Протогонист всегда из скены выходит. Клитемнестра стелит пурпурный ковер. Почему? – понятие «мизансцена» - от франц. «положить на сцену, поставить на сцену» - расположение актеров и предметов на сцене относительно зрителя. Что означает пурпурный ковер? – пурпур делался из мельчайших рачков, он для богов, стелился в храмах, и люди не имели права вставать на этот ковер. Она его искушает – типа он равен богам. Почему она так делает? Она уже не права? Клитемнестра не злодейка, которая собирается убить мужа, она ставит его в ситуацию, где он должен принять решение. Когда-то до троянской войны он убил свою дочь. Это тяжелый грех. Клитемнестра имеет право на убийство его больше, чем было у него когда он убивал дочь. Когда-то он нарушил человеческий закон, приравняв себя к богам. Трагедия – это когда герой действует в условиях свободы. Они все свободные люди и они сами делают выбор. Он вступает на ковер и заходит в дом. Кровавый путь. Клитемнестра не мстит, а совершает возмездие. Она имеет на него право, т.к. мстит за дочь.

  Герой трагедии всегда преступник. Берет она ответственность за свои поступки – да! До какого-то момента она героиня трагедии.

  2-я часть трилогии «Жертвы у гроба».

  Орест появляется потому что ему внушили Апполон и Афина, что надо отомстить за смерть отца. Клитемнестра – «за что ты хочешь убить?» Это кульминация трилогии. Трагедия начинается, когда человек берет на себя право о принятии решения. Герой трагедии формируется как личность на моих глазах, и совершая сразу расплачивается (охвачен ириниями).

  3 часть – «Эвминиды» (суд)

  В сущности, любой театр – это суд. В основе любого спектакля лежит расследование, дознание и определение кто прав, кто виноват. Многие драматурги имели отношение к судебной системе. Тот же Островский работал в «совестном суде». Отсюда и сюжет. Он сразу видит человека, его характер. Не случайно 3-я часть трилогии содержит этот суд. 3-я часть – это матрица театра, т.к. здесь решаются все вопросы.

  СОФОКЛ «Эдип Царь» трагедия.

  Она важна для европейского сознания. Именно образ Эдипа перед загадкой сфинкса – самый любимый в европейской культуре. В Пушкинском музее везде есть Эдип – притягательный образ.

  В городе Фивы правит царь, который совершил ужасное преступление – он украл у прорицателя мальчика и надругался над ним. А что произошло? – все персонажи – ясновидцы, имеют очень печальную участь. Пример – Кассандра – ясновидящая, которой не верили. Прометей - он не ясновидец, он титан, и он итак обладал этим знанием. Откуда брались ясновидящие? – когда в семье рождался мальчик, он жил на женской половине дома, потом переходил на мужскую половину в обучение ремеслам у юношей. Гомосексуализм был фактом обычным. Мальчики у юношей были в виде походных жен (если война, к примеру). Лай – царь, укравший мальчика, украл воспитанника. Он просто удовлетворил похоть. А прорицателю трудно найти себе преемника. Именно поэтому преступление Лая чрезмерно. Прорицатель говорит Лаю: «У тебя родится сын, который женится и убьет тебя». Лай в ужасе, долго не женился. Брак тогда был экономической необходимостью. И все-таки Лай женился на Иокасте. Он родила мальчика. И он приказал убить мальчика. Но раб пожалел его, отнес в горы и перебил ему ноги. Его нашла супружеская пара бездетная. Вырастили как своего сына. И в 16 лет он узнал о проклятии, что он «должен убить своего отца и жениться на матери». Он, конечно же, уходит из дома и скитается в сторону Фив. А там чудовище – сфинкс (туловище львицы, голова змеи, крылья за спиной). И оно съедает по 7 юношей, 7 девушек. Сфинкс – существо женского рода. Появляется Эдип. Сфинкс задает вопрос «Кто утром ходит на четырех ногах, днем на двух ногах, а вечером на трех ногах?». – Это человек. Он разгадывает загадку Сфинкса, но разгадывает ли? Самая главная проблема – соотношение мира и человека. Он идет дальше, освободив Фивы от проклятия. И несут старого Лая на носилках. Возникает спор, кто пройдет первым. Лай вываливается из носилок и умирает. Нет царя! Жители греческие сами выбирали себе царя, и они просят Эдипа стать их царем. И он получает жену (по наследству от Лая) Иокасту (свою мать) и рождает 4 детей. И начинается в Фивах чума. Он, узнав все, выкалывает себе глаза. Боги дают ему ясновидение. Антигона (дочь) ведет его. А в городе гражданская война. Иокл и Полиник (братья) в результате этой войны погибли. Тем временем, Антигона доводит Эдипа до рощи, где он должен умереть. Разверзлась земля и лично за Эдипом выехал сам Аид из земли на колеснице и забрал с собой. Исключительное отношение к Эдипу! Почему? Антигона возвращается в Фивы – все мертвые, на троне дядя Креонт. Он запрещает хоронить брата. Антигона захороняет брата. Ее заточают. Она вешается. Ее жених тоже самоубивается. Все умерли.

  Так вот, Софокл пишет сначала с конца «Антигона», потом «Царь Эдип»…

  Эдип в чем виновен, ни в чем, в том, что он родился только если.

  Действие строится: хор старцев – разобраться что к чему, третий актер – прорицатель – «Ты причина мора в Фивах». Он отвечает «Все прорицатели лгут! Ты мне предсказал, что я женюсь на матери, убив отца……»

  Герой трагедии всегда имеет дело с внешней стороной предмета. И он зная всего лишь часть берется судить о целом. И дальше каждое событие происходящее в пьесе, Эдип воспринимает по-своему, а зритель воспринимает иначе. Зритель-то знает, что прорицатель говорит правду. Появляется раб, благодаря которому Эдип остался в живых. А он не верит.

  В трагедии в 99% случаях – детективный сюжет. Это какое-то тайное событие. Герой трагедии должен прейти от внешнего понимания вещей к внутреннему.

  1-й человек, который понимает, что происходит – это Иокаста. Она молча уходит и вешается в доме. Потом понимает и он. (Единственный герой, который меняет маску. После выколки глаз, он выходит в маске залитой кровью). Что открылось ему? Почему Аид к нему приехал? Самое главное, что он понял, что такое Свобода. На протяжении всей жизни он существовал в условиях необходимости. Он все время должен действовать по свободному выбору, а где-то он ведется на условия игры. Он не хотел совершать преступление, он благородный, сильный, но он действовал в «условиях необходимости», а не свободным человеком. Это привело его к понятию Меры. В одной точке меры есть грань между свободой и необходимостью. Поняв эту грань, ты перестаешь страдать. Он понял, что он несвободен вообще! Понял, что миром правит закон необходимости. Он понял, что он может только терпеть. Если человек имеет только дело с внешней оболочкой – он выкалывает глаза. На греческих статуях в глаза вмонтированы драгоценные камни. Они имели вид живых, натуральных. Жестокость по отношению к самому себе. Он отказался от внешней оболочки жизни. И только поняв, что он находится в цепочке необходимости, он становится свободным. Большевики: «Свобода – это осознанная необходимость».

  Он был в греческой мифологии Такой Единственный!

  Герой – он не просто благороден. Герой трагедии все время немного сомневается в богах. Герой трагедии всегда рефлексирует, т.к. сталкивается с Богом. «Я считаю, что морально ТАК!»

  Орест убивает Клитемнестру не потому, что боги приказали. Он ведь это делает добровольно. Герой трагедии действует именно свободно. И он поднимается на новую ступень бытия. Герой трагедии благороден, умен, поступок во имя людей превращает его в преступника и он берет за все ответственность.

  В 5 в.до н.э. возникла трагедия, и она исчерпывающе развивалась в творчестве драматургов. Появились театры. Эти театры античности никогда не были в полную меру зрелищными. Основная идея театра – катарсис – очищение от страха и страдания через страх и страдание. 1-й человек, написавший о катарсисе – это Аристотель. Зритель приходил смотреть на обряд. Войдя в театр, должен был пройти через текущую воду. Греческий театр сохраняет религиозный момент. Зритель в театре страдает. Глядя на страдания героя – страдания самого человека кажутся маленькими. Зритель интерпретирует событие иначе, как бы со стороны. Зритель знает больше, чем персонаж трагедии. В конце, зритель восторгается и восхищается силой Духа Эдипа, как он наказал себя, как боги наградили его, и зрителю, испытывающему эти чувства открывается Новое Знание о мире, «Что есть Свобода, Знание, Мера и Необходимость». Знание – на уровне интеллекта. Он получает удовольствие от катарсиса.

  Зритель, приходя в театр должен эмоционально переживать и уходить в хорошем настроении. Театр становится искусством редко! И его также мало, как мало хорошей литературы, музыки. Все фальшиво! Начиная со сценаристов!

  Но! Все равно есть законы! – видовое свойство театра.

  Итак, 5 в.до н.э. Афины (с театром) проигрывают Пелопонесскую войну г. Спарта. Демократия рушится. Монархическая форма правления. Театры распространяются вширь. В 5 в. До н.э. возникает и комедия. Театр, постепенно развиваясь, отходит от обряда и начинает развиваться комедия - очень сложный жанр, сложней, чем трагедия. Театр превращается в зрелище, он попадает на почву, где нет тех, кто может воспринять. Они воспринимают только внешнюю оболочку, поэтому делается упор на комедию.

  Менандр «Брюзга» - комедия сосредотачивается на характере человека (брюзга попал в колодец – кто вытащит? – люди! – а они не хотят)

  Александр Македонский продолжает завоевательные походы на Восток. Театр распространяется до самой Индии (актеры шли за войском). Происходило окультуривание местного населения. Греческая культура распространялась, через передачу информации. После смерти А. Македонского империя распадается на несколько государств. И в это время начинает возвышаться государство РИМ. Его культура оригинальна. Рим – цивилизация высочайшая, очень самобытная. На них повлияла культура Этрусков. Они научились строить дороги, триумфальные арки, дома. Римляне очень отличались от греков. Греки – протаптывали дорожки, куда надо идти – туда и шли. Их культура рождалась естественно из их жизни. Римляне от этрусков унаследовали обычай похорон – с лица человека снимали гипсовую маску, прах сжигали, и в доме каждого римлянина стояли урны с прахом и стояла маска. Когда умирали – одевали маски и говорили слова «о покойниках или хорошо, или ничего».

  У них было физическое ощущение, что время длится. Время длится, оно конкретно – точность, натуралистичность во всем (даже бородавки лепили на статуях). У них был точный календарь. И римляне знали, что Рим основан …..апреля ….года. Мышление греков – мифологическое, в основе – миф. Римская культура – в основе не миф, а легенда. А это уже реальное! (и капитолийская волчица могла вскормить Ромула и Рэма). Миф – передает законы, Легенда – рассказывает о событии. Римская культура – рациональность, конкретность. Величайшая империя! Греки лепили черте-как дома. Римляне строили другие дома. Идея градостроения – из римской империи. Самое главное место в городе – это площадь. Римлянин осознавал себя как единицу. Греческое сознание возникало стихийно, из справедливости. Вначале Рим был деревянный. Каменный Рим – 1 век. Первый император Рим – Август – строил себе дворец за свои деньги! Из казны взял всего 1 монету. Рим: «Нужно человека отгородить от другого человека». Жители Рима, в основном, были в общественных местах, на форумах, в термах (банях). Поэтому каждый император стремился сделать супер-термы. В Риме никогда не было чумы. Культура и гигиена были на высочайшем уровне. Они изобрели туалет, водопровод. В термах были библиотеки. А дома, где жили, были маленькие. Римляне к рабам относились лучше, чем в Греции. Настоящие рабы были в Греции. Греки: «Раб – недочеловек. Что-то среднее между животным и человеком». Римляне – они часто вели войны, попадали в плен, сами могли попасть в рабство и брали рабов-пленных. Рабство – это социальная категория. Римские рабы жили в домах римлян на положении родственников. По сути рождалось крепостное право (как Фирс у Чехова). Колизей строили военнопленные. И они были рабы. По улицам Рима ходили рабы. Розги и топорик – и воровство сразу наказывалось. Римское право до сих пор изучается. Когда римская армия воевала, и они приходили на новую территорию, они разбивали лагерь – туда проводили водопровод, делали улицы из палаток, душ – они всюду тащили с собой цивилизацию! И они были везде. Дошли до Англии современной (а там в шкурах дикие ходили). Как только они ушли – водопровод сломался. Величайшая цивилизация была. Римские законы – Президент и Премьер-министр – НЕ одному человеку власть! Сенат выбирался. Дошли до Ирана. Приход римского императора – обусловлено!

  Великие географические открытия

  знакомство с Китаем, бумагой. Китайцы изобрели книгопечатание. Из Китая европейцы привезли в Европу порох (там это было для праздников, тут это повлияло на способы ведения войны). Европейцы начали колонизировать территории, появляются колонии и метрополии.

  Британия старается держать в своих руках все денежные потоки, благодаря Индии в расцвете.

  Подстегивается процесс работорговли, и влияние этого ощущается до сих пор. На сегодняшний день столицы всех европейских государств – цветные по населению.

  1453 год – турки захватили Константинополь, Византия прекратила свое существование. Оттуда вывозятся тексты, которые не были известны в Европе. Входными воротами является Венеция за счет своего географического положения.

  Открытие в разных странах гелиоцентрической системы мироздания. Земля является лишь одной из планет. Церковь утратила геоцентрическую картину мира как основную. Человек больше не центр мира. Не вершина мира материального и не ступень мира духовного. Возникает чувство относительности (релятивности) любой идеи. Если каждый говорит, что он центр мира, то разрушается мораль.

  Изобретение книгопечатания – равносильно изобретению интернета. Распространение и доступ к информации. Человек, обладающий доступом к знанию, больше не является особенным.

  Первая страна Возрождения – Италия. Она лучше на тот момент подготовлена к восприятию многих идей античности (плюс памятники под ногами). К 13 веку во многих городах складывается стиль проторенессанса. «Божественная комедия» Данте.

  Театр всегда развивается последним из видов искусств, потому что обладает синтетическим языком, он обобщает все, что уже достигнуто. Плюс это коллективное искусство, оно возможно только когда основной зритель уже как-то подготовлен к восприятию озвученных идей.

  В основе театра лежит конфликт, поэтому театр развивается в особо драматические времена. В Италии в 16 веке возникает два типа театра: 1) связанный с ученой средой (гуманистами)

  2) театр комедии дель арте

  Театр – это синтез двух непараллельно развивающихся искусств. Сценическое искусство есть у каждого народа. Но в театр оно может превратиться только если она умножится на очень сложную вещь – драматургию.

  Драматург должен быть образован и очень хорошо чувствовать свое время. Если театр очень заумный – это плохой театр. Хороший театр понятен народу.

  Соединение профессионализирующегося актерского искусства с драматургией, которая поднимается до уровня высокой литературы.

  В Италии этого процесса не произошло, сценическое искусство было уникальным.

  Дель арте – театр ремесла

  Арте = ремесло (арт = искусство)

  Появляются труппы из 15 человек, играют в масках, перемещаются из города в город, текст импровизируют во время действия (пьесы нет!)

  60-е года в Италии, 70-80-е – гастролируют по Испании и Франции.

  Во Франции появится театр Комеди Итальяно (по соседствую со знакомым нам Комеди Франсез). Еще они читали книжки и переносили сюжеты из страны в страну (Дон Хуан из Испании).

  Во второй половине 17 века они приехали в Лондон, Шекспир мог видеть их представления. В конце 17 века – Германия. В 18 веке – даже в России! Они давали своеобразную прививку профессионализма местным силам.

  В конечном счете в Италии у них возникают проблемы с поиском нового репертуара, в Италии не произошло соединения актерского искусства с драматургией (только во второй половине 18 века!). Создателем итальянского театра является Карло Гольдони.

  Состав труппы дель арте:
  Капо комико – во главе труппы, самый сильный актер (иногда и женщина!), мог играть любую роль, грамотен, мог читать и писать, приносил в труппу сюжеты, договаривался с властями о разрешении играть спектакль, был ответственным за финансы.

  Подмостки – или телега, или бочка с досками. Помост 4 на 6 метров. Занавеска-задник и занавеска-занавес. Актеры сидят по бокам.

  Прежде чем играть, актеры собирают по городу все сплетни, эту информацию использовал капо комико, когда начинал разговаривать с площадью. До какой степени его диалог с площадью симпатичен и остроумен, настолько удавалось представление. Устойчивый интерес человека к самому себе очень важен для театра! Устанавливался важный контакт: мы – свои! При том, что везде в Италии были разные диалекты, разные законы, а к самой стране очень подходило понятие феодальной раздробленности.

  Каждая маска в труппе говорит на своем диалекте. Соответственно актеры были из разных городов и труппа была воплощением единства, микромоделью общества. Города воспринимались как носители разных традиций. За каждым городом закреплялась определенная психология.

  Актер выбирал маску на всю оставшуюся жизнь, он знал все приемы и особенности игры, это был он сам. Главная проблема была – что играть.

  Арлекин разговаривает исключительно на бергамском диалекте (Бергамо – аграрный район, где проживали крестьяне, малограмотный, поэтому жители в основном шли в слуги)

  Панталоне – венецианский купец (Венеция была мощнейшей торговой республикой, самая устойчивая валюта, огромный флот, самые передовые граждане).

  Влюбленные юноша и девушка без масок – из Тосканы. Тоскана – столица Ренессанса, родина Данте, Леонардо, Микеланджело

  Пьесы Эдуардо де Филиппо написаны на неополитанском диалекте, он сам был актером из Неаполя. Неаполь – это отдельный уклад жизни. Диалект связан с определенным социальным типом.

  12 человек в труппе, три женщины: черная, рыжая, светлая; молодая, средняя, старая; худая, нормальная, толстая.

  4 обязательных персонажа: два старика и два слуги. Маски всегда черные с огромным носом и страшные. Маска всегда связана с языческой обрядовостью. История столкновения жизни и смерти.

  Панталоне и Доктор. Слуги: Дзанни (Цанни), то есть Джованни (Ваньки). В северном варианте это Бригелла и Арлекин. У стариков должны быть разные характеры.

  Панталоне – ворчливый и умный старик, охоч до женского пола, навязчиво хочет жениться, во время танца его всегда хватает приступ радикулита. Одет в красный жилет, красный плащ, черные башмаки.

  Доктор – на болонском диалекте. Болонья – город со старинным средневековым университетом. Он не врач, а юрист. Он умный и может говорить до бесконечности, притом связно. Судебную тяжбу он обязательно проиграет. Черный плащ, черный камзол и штаны, чернильница на поясе.

  Бригелла – тоже бергамский диалект, но он житель гор, готов драться и воровать, жулик. Арлекин – житель долины, классический простак, все делает невпопад.

  Актер может привносить в маску краски своей индивидуальности.

  Двое влюбленных без масок – идеальные люди эпохи возрождения, говорили. У них была служанка Смеральдина.

  Маска капитан (кавалер) – хвастливый воин. У него есть шпага (только ручка без лезвия), первый, кого бьют в драке на сцене.

  Актерство – занятие для молодых. Старух играли мужчины или молодые женщины, которые сразу начинали играть старух.

  Канаваччо – канва спектакля, основная линия сюжета, сценарий.

  Вопросы дисциплины в труппе дель арте не стояли никогда. Актеры приходили вовремя и делали все от начала до конца. Слово капо комико – закон. (Театр – место столкновения амбиций, поэтому если нет человека с абсолютной властью, дело развалится). Эти правила незыблемы, выкованы и действуют до сих пор.

  КНИГА Дживилегов «Итальянская народная комедия» (1949, 1956, …)
  КНИГА Николай Миклашевский La comedia del arte (1913)

  Комедия дель арте – первый профессиональный театр, его гастроли повлияли на театр других стран Европы. В Италии не произошло слияния сценического искусства и драматургии. Ученая драматургия создавало свои собственные произведения. В 16 веке окончательный разрыв – и начинается развитие оперы.

  Расцвет оперы в Италии – когда драма (текст) не соединяется с актерским мастерством. В 18 веке появятся пьесы первого итальянского драматурга Карло Гольдони. Италия сначала опережает другие страны, а потом начинает от них отставать. Развитие скачками.

  Соединение драмы и актерского искусства в эпоху Возрождения в 16 веке происходит в Испании и в Англии. Эпоха, говорящая на языке исходных понятий, создает устойчивые театральные формы.

  Испанский театр эпохи Возрождения

  Золотой век испанского театра – эпоха Возрождения (конец 16 – первая половина 18 века). Дальше его как будто нет вплоть до первой половины 20 века (Фредерик Гарсия Лорка). Связано это с тем, что Испания как единое государство складывается к 15 веку, а до этого была почти семивековая освободительная борьба с арабами – Реконкиста (отвоевание). В 7 веке на Пиренейский полуостров хлынул поток арабов, которые принесли туда математику и медицину, строительство и сельское хозяйство, однако коренное население этому сопротивлялось, в частности по религиозным причинам. Реконкиста – борьба за родину, за христианство и честь гражданина. Так складывается этический комплекс, известный как испанский кодекс чести.

  В Испании никогда не было крепостного права, никто не был прикреплен к земле. У мужчины было два пути: воин или монах (что часто совпадало). Почти все испанские драматурги были монахами.

  Реконкиста двигалась с севера на юг, последний оплот мавров – Гранада. Объединение Костильи и Арагона – начало Испании как единого государства. Не было такого понятия, как столица; столица была там, где был двор.

  Единственный жанр аутос сакраменталес – мистерия. К 15 веку начинается развитие испанского театра. Бродячие труппы, играли фарсы (пасос, игрался на столах). Труппы начинают разрастаться. Города были небольшие, они останавливались в гостиных дворах (это готовый зрительный зал, отсюда происходит испанский театр, и в Англии тоже). Деловые люди совершают сделки, дальше нужно себя чем-то занять. Театр был хорошим занятием.

  Испанские театры назывались корали (“гостиный двор”). Во дворе был балкон по всему периметру прямоугольника. Мужчины стояли внизу, женщины сидели на балконе (дверь каждого номера выходила на балкон).

  NB картина Гойи «Маха на балконе»

  На балконе ставились ширмы, чтобы мужчины внизу не видели женщин наверху (наследие арабского мира!). Главный предмет одежды – гребень, как корона. Женщина всегда ходила вооруженной!

  1 площадка – основное действие

  2 площадка – там происходит действие внутри помещений

  3 площадка (второй этаж) – там могло быть несколько входов или окон «Испанский театр похож на шкаф или секретер со множеством ящичков»

  Действие разыгрывается в разных плоскостях, сцена испанского театра эпохи Возрождения была стереометрической.

  Не было никаких декораций, площадка 1 была пуста. На актерах точные современные исторические платья. Общество было строго сословным, поэтому у каждого сословия – своя одежда (ткань, покрой)

  Актеры, если они играли дворян, имели право выходить на сцену в бархате. Ложи непосредственно на сцене – самые почетные. Если там сидит знатная дама, то и на сцене актриса должна быть в настоящем платье с драгоценными пуговицами и другими настоящими деталями.

  Театр воспринимался как средство воспитания! Суть театра в том, что здесь и сейчас в театре актер включает свое мастерство и зритель начинает чувствовать и сопереживать. Церковь понимала это и контролировала этот процесс. Доходы от театра также шли только церкви.

  Специально построенные корали (конец 16 века) были построены и принадлежали только церкви. Все площадки были одинаковыми по конструкции. Актеры продолжали кочевать от здания к зданию. У каждого здания был свой директор, назначенный церковью, который следил за порядком и чистотой. Актеров впускали в здание за час до начала спектакля.

  Испанская сцена отражает мир, созданный богом. Если мир создан богом, то театр отражает этот мир. Каждый человек от рождения получает определенную роль и свободу и начинает импровизировать. Если его импровизации не нарушает заповеди, то спектакль состоится. Если же нет, то он приходит в противоречие с законами Божьими и спектакль рушится.

  Жак Меланхолик: «Мир есть театр, в нем женщины, мужчины – все актеры, у каждого свой вход и выход есть».

  Основной прием испанского театра – это сцена на сцене, театр в театре.

  Сервантес
  Лопе де Вега
  Тирсо де Молена
  Кальдерон

  Расцвет испанского театра – начало 17 века, этому способствовали несколько событий. Культурный испанский маховик, раскрученный во время Реконкисты, двигает испанцев на завоевание новых территорий (конкиста!). Испания владела половиной мира – 33 страны говорят по-испански (До этого – Португалия, но после чудовищного землетрясения, разрушившего полстраны, они уже никогда не могли вернуть себе былое величие.)

  1492 год – Христофор Колумб, отплыв из Португалии, достиг берегов Америки. Золото, которое он привез, пошло в основном на собор св. Петра в Ватикане (и частично на дворец в Бургасе).

  После реконкисты начались поиски внутреннего врага, и им признали арабов. С помощью инквизиции стали выявлять нехристиан – арабов и иудеев. Все срочно начали принимать христианство. Евреи, принявшие христианство – муриски. Их стали активно проверять (есть ли он свинину?). 1492 год – год массового исхода евреев из страны, сифарды ушли с севера на юг: на арабский восток и север Африки. (В 1992 году папа Римский приносил извинения евреям)

  С этого момента начинается конфликт испанского кодекса чести. Честь как достоинство перестает совпадать с честью служения Богу и Испании. Человек не может найти единого представления о морали. Расцвет инквизиции, которая сама по себе была очень театральна. Аутодапфе (действие огнем) – театр в режиме онлайн. Суд сидит с одной стороны, зритель с другой, действие происходит в середине площади. Закон: если вы подозреваете, что соседка ведьма, то это нужно было доказать, и если это подтверждалось, то половина имущества отходила свидетелю, половина – инквизиции. Испанцы – люди очень честные.

  Испанцы были очень богаты, закупали все во Франции и не возделывали землю. Землю возделывали только арабы. Евреи держали финансы, аптеки. После их изгнания возник кризис.

  Сервантес «Дон Кихот» - книга книг, открывается не сразу, но обязательно должна быть прочитана.

  Интермедия – жанр испанского театра, короткая пьеска, разыгрывается в антракте между двумя действиями. Сервантес: интермедия «Театр чудес». В «Нумансии» важна обрядовая составляющая.

  Лопе де Вега – самый плодовитый драматург в истории театра (2200 пьес), плюс он писал элегии, оды, научные трактаты. Пьесы он писал в три дня. Испанская пьеса всегда в трех актах (хорнада = день), действие пьесы укладывается в три дня.

  Генрих VIII, король Англии, бесстыдно перешел в протестантизм. Была снаряжена Непобедимая Армада, чтобы вернуть Англию в католичество. Королева Елизавета поставила всех английских пиратов под ружье. На одном из кораблей Армады был Лопе де Вега. После разгрома испанцев на обломке корабля он доплыл до берега и сочинил поэму. Он был везде в самые ключевые моменты. Был очень одарен, писал стихи, пел, танцевал, фехтовал, у него было много семей в разных городах. В Мадриде было только шесть театров, в которых играли только пьесы Лопе де Вега. Поговорка: “Верю в Лопе всемогущего, творца неба и земли”.

  Множество было вещей в католическом культе, которые были по сути пародией на католический культ. Высокое и низкое соединялось.

  Стиль – то, в чем каждая эпоха шифрует свои понятия о жизни. Стиль – главное понятие искусства, формирует образ и внутреннее содержание. Стилус – палочка для письма на восковых дощечках у римских школьников.

  Роман “Чума” Альбер Камю, герой сочиняет первое предложение романа, переставляя порядок слов в одном предложении. Стиль – это отражение внутреннего смысла через внешнее состояние. Французы: “Человек – это стиль”.

  Пьесы Лопе де Вега – стиль высокого Возрождения. Мир будет таким, каким его сделает человек. Ренессансные палаццо пропорциональны росту человека. Идеальное соотношение окружающего мира и человека.

  Какова задача театра? Театр должен показывать человеку его идеального, каким он должен быть, а человек после этого должен стремиться к идеалу. Венецианское зеркало с золотом в амальгаме позволяет всегда выглядеть в нем прекрасно – это принцип высокого Ренессанса.

  Пьесы Лопе де Вега ни в коем случае не отражают реальную жизнь Испании тех лет. Лопе отправлен в Севилью для выяснения нравов ее жителей. Одновременно с ужасным отчетом он пишет пьесу “Звезда Севильи”. Король попадает в Севилью и видит в толпе девушку Эстрелью (звезда), он оказывает почести брату Эстрельи, наместнику Густо Таберо. Однако человек не может принимать почести, которые он считает незаслуженными. Ночью король в маске с подкупом служанки проникает в замок наместника, его ловит наместник. Как себя вести наместнику – это король, но он не может снести оскорбления, которое ему нанесено. Наутро служанка повешена на дереве возле дома короля, это значит, что наместник будет мстить открыто. Он зовет дона Санчо и приказывает ему убить изменника, но наместник – друг дона Санчо.

  В высокой ренессансной пьесе есть сюжет, но вы смотрите на человека, и движение сюжета возникает тогда, когда происходит изменение человека.

  Высокая ренессансная комедия всегда рассказывает о зарождении любви, этим она уникальна. Любовь – синоним Бога. Пьеса “Дурочка” (“И тот, кто не любил, тот не жил”). Идея любви – главная идея христианской культуры. В ренессансной комедии господствует идея любви с первого взгляда как истинной любви, но ничего хорошего из этого не получается, потому что две половинки андрогина снова становятся равными богу, а это невозможно. Это комедии не высмеивающие, смех ребенка, играющего с котенком. Радость полноты бытия, чувство гармонии, но ставить это невозможно.

  “Собака на сене” – Теодоро женится на Диане, но признается ей в финале, что он не дворянин. Честность.

  Тирсо де Молена (псевдоним, Фрай Габриэль Тельес – имя в монашестве). Монах.

  Джон Донн – ярчайший представитель маньеризма в Англии. “Не спрашивай, по кому звонит колокол, он звонит по тебе”. Жизнь людей – борьба каждого с каждым, все относительно. Чувство относительности – основное в маньеризме. Мир начинает играть с человеком образами, идеями. Архитектурные основы превращаются в элемент декора, сама основа упрощается.
  Маньеризм (манера, манерный) –

  В структуре пьесы это выражается присутствием характера, который всех заставляет плясать под свою дудку, является режиссером всех событий, движет историю. Все остальные персонажи – лишь маски, которыми он управляет.

  Маньеристская картина – это скорее полотно Брейгеля, все катаются на коньках, мы рассматриваем разные группки людей в сложной композиции. Главным в этой композиции является художник, который заставляет зрителя смотреть на все это по очереди.

  В 17 веке возникает большой стиль барокко (жемчужина неправильной формы). Кальдерон был представителем стиля барокко. Как победить возникшее чувство относительности? Бог, который создал стиль барокко – это создатель вселенной. Он невидим, он смотрит сквозь тучи на человека, который мучается от событий, которые с ним происходят.

  “Жизнь есть сон” (прочитать!) , “Стойкий принц”
  Мир разноречив, противоречив, сложен. В архитектуре дом стиля барокко избыточен, пестр и пышен, похож на огромный торт. За всеми финтифлюшками скрывается стройный ренессансный фасад. Барокко – это стиль, в котором нет покоя. Образы барокко: жемчужина, раковина и яйцо. Жемчужина отсвечивает всеми цветами спектра, но выглядит белой, это целостность. Раковина – символ тайны, нельзя заглянуть за очередной завиток. Яйцо – символ жизни.

  Барочные пьесы очень тяжело читать. Сюжетные линии развиваются параллельно (“Король Лир”), мир сложен, но в то же время в нем действуют общие законы. Если люди идиоты, то бог не виноват. Характерно смешение жанров, высокое и низкое, трагическое и смешное. Зеркало напротив зеркала – и система бесконечных отражений.

  “И лучшие дни страшны, потому что мы видим сны, ибо жизнь есть сон”.

  Настоящая жизнь – за гробом, а все, что тут происходит – это сон. Все пьесы Шекспира пронизаны этой идеей.

  Гамлет: “Какие сны приснятся в смертном сне?” (What dreams may come)

  Макбет: «Зарезал Гламис сон, не будет Кавдор спать, Макбет не будет спать», леди Макбет ходит во сне и моет руки от крови.

  Это главная тема искусства 17 века, и еще она совпадает с темой театра. Сон и театр – это одно и то же, театр навевает сон, он дает нам модель жизни.

  Кто такой Сигизмундо в «Жизнь есть сон»? Это каждый человек. Каждый человек рождается зверем. Он не понимает, спит он или не спит. Это касается каждого, если начинается война. «Судьбы бежим, ее и приближаем».

  Английский театр эпохи Возрождения

  Война Англии и Франции – это война внутри одной династии Плантагенетов. Генрих VIII переходит в протестантизм, везде установлен надзор за гражданами и монастырями, всю католическую атрибутику необходимо изъять, обряды пресечь. Семья Шекспира – тайные католики.

  Когда запретили играть мистерии и фарсы, труппы стали писать пьесы, в которых соединяли фарсовые сюжеты. Обычай постановки – средневеково-католический, сюжеты – из современной жизни. Актеры играли в английских гостиных дворах, которые по форме были многоугольными.

  Джеймс Бербедж взял в аренду кусок земли у Темзы, где построил деревянный театр, который повторял структуру английского гостиного двора, назвал его «Театр». Помещение к концу аренды земли принадлежало актерам, и когда срок вышел, они его разобрали и перенесли на другой кусок земли, назвав его «Глобус».

  1 – основное место действия

  2 – второе место действия, закрытое занавесом (внутренние покои)
  3 – балкон, слегка выступающий над сценой (башня в Эльсиноре, балкон Джульетты)

  В «Гамлете» есть описание устройства театра («Ни этот мыс земля, ни это небо, ни эта медная твердь»)

  Это городской театр, за место платили во время действия (двери были закрыты). Декораций не было, была бутафория. Костюмы были современные. Чъто бы ни писал Шекспир, хоть про Рим, это все равно современная ему Англия.