Танцевальные пьесы раннего периода творчества прокофьева. Биография прокофьева

⁰

Кардинальным достоинством (или, если хотите, недостатком) моей жизни всегда были поиски оригинального, своего музыкального языка. Я ненавижу подражание, я ненавижу избитые приемы... Можно быть как угодно долго за границей, но надо непременно время от времени возвращаться на Родину за настоящим русским духом.

С. Прокофьев

Детские годы будущего композитора прошли в музыкальной семье. Его мать была хорошей пианисткой, и мальчик, засыпая, нередко слышал доносящиеся издалека, за несколько комнат звуки сонат Бетховена.

Когда Сереже было 5 лет, он сочинил первую пьесу для фортепиано. С его детскими композиторскими опытами познакомился в 1902 году Танеев, и по его совету начались уроки композиции у Глиэра. В 1904-14 годы Прокофьев учился в Петербургской консерватории у Римского-Корсакова (инструментовка), Витолса (музыкальная форма), Лядова (композиция), Есиповой (фортепиано). На выпускном экзамене Прокофьев с блеском исполнил свой Первый концерт, за что был удостоен премии имени Рубинштейна. Юный композитор жадно впитывает новые веяния музыки и скоро находит собственный путь музыканта-новатора. Выступая как пианист, Прокофьев часто включал в свои программы и собственные произведения, вызывавшие бурную реакцию слушателей.

В 1918 году Прокофьев выехал в США, начав далее ряд поездок по зарубежным странам — Франции, Германии, Англии, Италии, Испании. Стремясь завоевать мировую аудиторию, он много концертирует, пишет крупные сочинения — оперы «Любовь к трем апельсинам» (1919), «Огненный ангел» (1927); балеты «Стальной скок» (1925, навеян революционными событиями в России), «Блудный сын», (1928), «На Днепре» (1930); инструментальную музыку.

В начале 1927 и в конце 1929 года Прокофьев с огромным успехом выступает в Советском Союзе. В 1927 его концерты проходят в Москве, Ленинграде, Харькове, Киеве и Одессе. «Прием, который оказала мне Москва, был из ряда вон выходящий. ...Прием в Ленинграде оказался даже горячей, чем в Москве», — писал композитор в Автобиографии. В конце 1932 года Прокофьев принимает решение возвратиться на Родину.

С середины 30-х годов творчество Прокофьева достигает своих вершин. Он создает один из своих шедевров — балет «Ромео и Джульетта» по Шекспиру (1936); лирико-комическую оперу «Обручение в монастыре» («Дуэнья», по Шеридану — 1940); кантаты «Александр Невский» (1939) и «Здравица» (1939); симфоническую сказку на собственный текст «Петя и волк» с инструментами-персонажами (1936); Шестую сонату для фортепиано (1940); цикл фортепианных пьес «Детская музыка» (1935). В 30-40-е гг. музыку Прокофьева исполняют лучшие советские музыканты: Голованов, Гилельс, Софроницкий, Рихтер, Ойстрах. Высочайшим достижением советской хореографии стал образ Джульетты, созданный Улановой. Летом 1941 на даче под Москвой Прокофьев писал заказанный ему Ленинградским театром оперы и балета балет-сказку «Золушка».

Известие о начавшейся войне с фашистской Германией и последующие трагические события вызвали у композитора новый творческий подъем. Он создает грандиозную героико-патриотическую оперу-эпопею «Война и мир» по роману Л. Толстого (1943), с режиссером Эйзенштейном работает над историческим фильмом «Иван Грозный» (1942). Тревожные образы, отблески военных событий и вместе с тем неукротимая воля и энергия свойственны музыке Седьмой сонаты для фортепиано (1942). Величавая уверенность запечатлена в Пятой симфонии (1944), в которой композитор, по его словам, хотел «воспеть свободного и счастливого человека, его могучие силы, его благородство, его духовную чистоту».

В послевоенное время, несмотря на тяжелую болезнь, Прокофьев создает много значительных произведений: Шестую (1947) и Седьмую (1952) симфонии, Девятую фортепианную сонату (1947), новую редакцию оперы «Война и мир» (1952), виолончельную Сонату (1949) и Симфонию-концерт для виолончели с оркестром (1952). Конец 40-х начало 50-х были омрачены шумными кампаниями против «антинародного формалистического» направления в советском искусстве, гонениями на многих лучших его представителей. Одним из главных "формалистов" в музыке оказался Прокофьев. Публичное шельмование его музыки в 1948 году еще более ухудшило состояние здоровья композитора.

Последние годы своей жизни Прокофьев провел на даче в поселке Николина гора среди любимой им русской природы, он продолжал непрерывно сочинять, нарушая запреты врачей. Тяжелые обстоятельства жизни сказались и на творчестве. Наряду с подлинными шедеврами среди сочинений последних лет встречаются произведения «упрощенческой концепции» — увертюра «Встреча Волги с Доном» (1951), оратория «На страже мира» (1950), сюита «Зимний Костер» (1950), некоторые страницы балета «Сказ о каменном цветке» (1950), Седьмой симфонии. Прокофьев умер в один день со Сталиным, и проводы великого русского композитора в последний путь были заслонены всенародным волнением в связи с похоронами великого вождя народов.

Стиль Прокофьева, чье творчество охватывает четыре с половиной десятилетия бурного XX века, претерпел очень большую эволюцию. Прокофьев прокладывал пути новой музыки нашего столетия вместе с другими новаторами начала века — Дебюсси. Бартоком, Скрябиным, Стравинским, композиторами нововенской школы. Он вошел в искусство как дерзкий ниспровергатель обветшалых канонов позднеромантического искусства с его изысканной утонченностью. Своеобразно развивая традиции Мусоргского, Бородина, Прокофьев внес в музыку необузданную энергию, натиск, динамизм, свежесть первозданных сил, воспринятых как «варварство» («Наваждение» и Токката для фортепиано, «Сарказмы»; симфоническая «Скифская сюита» по балету «Ала и Лоллий»; Первый и Второй фортепианные концерты). Музыка Прокофьева перекликается с новациями других русских музыкантов, поэтов, живописцев, деятелей театра. «Сергей Сергеевич играет на самых нежных нервах Владимира Владимировича», — отозвался В. Маяковский об одном из исполнений Прокофьева. Хлесткая и сочная русско-деревенская образность через призму изысканного эстетства характерна для балета «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» (по мотивам сказок из сборника А. Афанасьева). Сравнительно редок в то время лиризм; у Прокофьева он лишен чувственности и чувствительности — он застенчив, нежен, деликатен («Мимолетности», «Сказки старой бабушки» для фортепиано).

Яркость, пестрота, повышенная экспрессия типичны для стиля зарубежного пятнадцатилетия. Это брызжущая весельем, задором опера «Любовь к трем апельсинам» по сказке Гоцци («бокал шампанского», по определению Луначарского); великолепный Третий концерт с его бодрым моторным напором, оттеняемым чудесным свирельным напевом начала 1-ой части, проникновенным лиризмом одной из вариаций 2-ой части (1917-21); напряженность сильных эмоций «Огненного ангела» (по роману Брюсова); богатырская мощь и размах Второй симфонии (1924); «кубистический» урбанизм «Стального скока»; лирическая интроспекция «Мыслей» (1934) и «Вещей в себе» (1928) для фортепиано. Стиль периода 30-40-х годах отмечен свойственным зрелости мудрым самоограничением в сочетании с глубиной и национальной почвенностью художественных концепций. Композитор стремится к общечеловеческим идеям и темам, обобщающим образам истории, светлым, реалистически-конкретным музыкальным характерам. Особенно углубилась эта линия творчества в 40-е в связи с тяжелыми испытаниями, выпавшими на долю советского народа в годы войны. Раскрытие ценностей человеческого духа, глубокие художественные обобщения становятся главным стремлением Прокофьева: «Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему. Таков с моей точки зрения незыблемый кодекс искусства».

Прокофьев оставил огромное творческое наследие — 8 опер; 7 балетов; 7 симфоний; 9 фортепианных сонат; 5 фортепианных концертов (из них Четвертый — для одной левой руки); 2 скрипичных, 2 виолончельных концерта (Второй — Симфония-концерт); 6 кантат; ораторию; 2 вокально-симфонические сюиты; много фортепианных пьес; пьесы для оркестра (в том числе «Русская увертюра», «Симфоническая песнь», «Ода на окончание войны», два «Пушкинских вальса»); камерные сочинения (Увертюра на еврейские темы для кларнета, фортепиано и струнного квартета; Квинтет для гобоя, кларнета, скрипки, альта и контрабаса; 2 струнных квартета; две сонаты для скрипки и фортепиано; Соната для виолончели и фортепиано; целый ряд вокальных сочинений на слова Ахматовой, Бальмонта, Пушкина)

Творчество Прокофьева получило всемирное признание. Непреходящая ценность его музыки — в душевной щедрости и доброте, в приверженности высоким гуманистическим идеям, в богатстве художественной выразительности его произведений.

В раннем периоде творчества Прокофьева лидирует фортепианная музыка разнообразных форм – от миниатюры до небольших циклов, концертов и сонат. Именно в малых программных фортепианных пьесах созревает самобытный стиль композитора. Вторая волна подъёма прокофьевской фортепианной музыки – конец 30-х – начало 40-х гг., когда родилась триада сонат (№ 6, 7, 8), которая по эпической мощи и глубине драматических конфликтов почти не уступает симфониям той же поры – Пятой и Шестой.

Вклад Прокофьева в фортепианную литературу ХХ века сопоставим разве только с вкладом Дебюсси, Скрябина и Рахманинова. Как и последний, он создаёт ряд монументальных фортепианных «концертов-симфоний», продолжая в этом смысле традицию, завещанную Чайковским.

Прокофьевский пианизм – графический, мускулистый, беспедальный, являющийся антиподом романтическому стилю Рахманинова и импрессионисткой зыбкости Дебюсси. Б. Асафьев: «Суровый конструктивизм сочетается с психологической выразительностью». Черты: энергичность, токкатность, постоянная динамика, инструментальная мелодика, прозрачная фактура, тяготение к психологизму, смелые тембровые сочетания, чёткие формы, приём игры в крайних регистрах (Дебюсси). Резкие образные контрасты: примитивность и элегантность, варварский фовизм и утончённость, прозаические пассажи и сказочные эпизоды, сарказм и лирика.

Фортепианное творчество Прокофьева разнообразно по жанру (фортепианные циклы, миниатюры, транскрипции балетных сочинений, концертные сонаты). Прокофьев по праву считается представителем антиромантичнской традиции первой половины XX века наряду со Стравинским, Бартоком, Хиндемитом.

Преодоление романтической трактовки фортепиано происходит из-за нескольких факторов:

· отказ от чувственной трактовки звучания (сухое, жесткое, стеклянное). Особая роль акцентности, стиль non legato;

· неперегруженность звучания. Частое использование крайних регистров. Нет ощущения полноты;

· ударная трактовка фортепиано. Прокофьев продолжает традиции раннеклассического искусства Скарлатти, Гайдна, французских клависинистов, клавирного классицизма Дебюсси, а в русской традиции Мусоргского.

Несмотря на преобладание антиромантических традиций, в фортепианном стиле Прокофьева есть черты и романтической фортепианной музыки. Это справедливо особенно в отношении моментов кантиленных тем. Обычно фортепианное творчество Прокофьева делят на три периода:

1) Ранний . До отъезда за границу (1908 - 1918 гг.). В этот период написано четыре сонаты, два концерта, этюды (соч. 2), пьесы (соч. 3,4), Токката (соч. 11), Сарказмы (соч. 17), Мимолётности (соч. 22);

2) Зарубежный (1918 - 1933 гг.). В творчестве происходит углубление лирической сферы. Написано 3-й, 4-й, 5-й концерты, 5-я соната, «Сказки» (соч. 31), четыре пьесы (соч. 32);

3) Советский (середина 1930-х гг.). По словам самого Прокофьева в этот период творчества происходит «переход к новой простоте». Написано «Детская музыка» (соч. 65), транскрипции, сонаты 6-9.

Тема: Н.Я. Мясковский. Творчество. Черты стиля.

Введение.

Вошёл в историю советской музыки как великий симфонист и выдающийся педагог. Стоял у истоков формирования советского симфонизма. Его стилю чужды внешняя эффектность, концертный блеск, здесь нет следов увлечения красочной звукописью или сверхрационализмом. Творчество Мясковского является самостоятельной ветвью русского философского симфонизма, где традиции Листа, Вагнера, Чайковского и «кучкистов» были оригинально развиты и переработаны в духе экспрессионизма.

Ранний период творчества.

Эволюция Мясковского, как и многих других композиторов ХХ века, была направлена к тому, чтобы сказать просто о сложном, не утратив глубины. Для его ранних произведений характерны: густая музыкальная ткань, усложнённая гармония. 5-ая симфония открывает центральный период творчества Мясковского.

Е годы.

Один из самых сложных творческих периодов. Запечатление глубоко личных чувств и субъективно-трагических эмоций в эти годы заметно превалирует над объективной сферой (симфонии № 6, 7, 9, 10, 12, сонаты № 3, 4, «Причуды», «Пожелтевшие страницы»). Симфония № 5 и 8 содержат народно-массовые образы.

Е годы.

Возрастает роль народных образов, героического, мужественно-волевого начала. Лирический тематизм, певучесть, мелодическая широта и плавность (симфонии № 15, 17, 18, 19, 21), цитаты из массовых песен.

Е годы.

Сложившийся стиль композитора приобрёл черты академической строгости. Лирико-эпико-драматический симфонизм военных лет и произведения сюитного типа (симфония № 23). Жанровость сосуществует с тревожными темами, повествовательными эпизодами, лирическими монологами. Музыкальная ткань – ясная и прозрачная.

В итоге выкристаллизировались две линии творчества Мясковского: лирико-психологическая и эпико-жанровая. Из важнейших стилей ХХ века в творчестве композитора отразились поздний романтизм и экспрессионизм.

Тема: С.С. Прокофьев. Кантата «Александр Невский».

Вступление.

Музыка к фильму С. Эйзенштейна «А. Невский» - одна из признанных вершин творческой жизни Прокофьева. В этой работе он впервые обратился к русской героико-эпической тематике. Далее эта линия имела продолжение в опере «Война и мир», симфонии № 5, Первой сонате для скрипки с фортепиано, музыке к кинофильму «Иван Грозный». В мае 1939 г. состоялась премьера кантаты.

Драматургия.

Во многом оригинален жанр кантаты. Композитор достиг смелого сочетания живописно-изобразительных оркестровых эпизодов с песенно-хоровыми сценами. Так возник новый жанровый сплав программного симфонизма с конкретным оперно-хоровым действием.

Драматургия кантаты основана на резком противопоставлении двух конфликтных интонационных сфер: русского патриотического воинства и отталкивающий лик тевтонских крестоносцев. Первые охарактеризованы песнями былинного склада, печальными причетами, весёлыми скоморошьими наигрышами. Вторые обрисованы кичливыми военными фанфар, католическим хоралом и автоматизированным маршем. Контраст между ними Прокофьев, как всегда, подчеркнул с помощью ладогармонических и оркестровых средств. В «русской» музыке преобладают светлая диатоника, мягкость тембров, певучая звучность струнных, проникновенные тембры голосов. «Немецкая» отмечена жёсткими политональными звучаниями, «механическими» ритмами, тяжёлой поступью меди и ударными. Особое место занимают приёмы контрапунктических сочетаний различных тем («Ледовое побоище»).

Композиционная схема произведения привлекает своей тщательной продуманностью. Семь частей – очень разных по содержанию – строятся на контрастном чередовании картинно-изобразительных эпизодов («Русь под игом монгольским», «Крестоносцы во Пскове», «Ледовое побоище») со сравнительно сжатыми песенно-хоровыми номерами («А и было дело на Неве-реке», «Вставайте, люди русские», «Мёртвое поле»). В композиции чётко прослеживаются черты сонатно-симфонического цикла:

Первые 4 части – вступление и экспозиция;

5-ая – разработка;

6-ая – лирическое интермеццо;

7-ая – синтезирующий финал.

Разбор кантаты.

Первая часть «Русь под игом монгольским» - это симфонический пролог к циклу. Ощущение пустынности достигается особым фоническим эффектом, часто встречающимся у Прокофьева: высокие и низкие тембры движутся в унисон с незаполненной серединой. Так возникает пейзаж, исполненный тревоги и скорби.

Вторая часть - былинная «Песня об Александре Невском ». Скупой диапазон, неторопливое развёртывание, чёткость движения. Суровый колорит подчёркивается преобладанием низких тембров в оркестре и хоре. В среднем разделе усилён батально-изобразительный элемент.

Черты драматической конфликтности в полной мере раскрываются в третьей части – «Крестоносцы во Пскове». В ней впервые сталкиваются полярные образы: жестокое тевтонское нашествие (крайние разделы) и страдания побеждённых (середина). Крестоносцы обрисовываются с помощью трёх тем: католический хорал, мотив басов и военная фанфара. В середине – скорбный напев: печальная мелодия плача, насыщенная подголосочная ткань.

Четвёртая часть – «Вставайте, люди русские» - как и вторая, строится в виде хоровой сцены песенного склада. Основная тема наполнена боевой отвагой и удалью. Средний раздел («На Руси родной») покоряет светлой поэтичностью.

В наиболее развёрнутой пятой части – «Ледовое побоище» - сосредоточены главные события всей симфонической драмы. Здесь наиболее заметна близость к природе кино: принцип «монтажа», приёмы контрапунктов, сквозное развитие образов-тем. Вступление, заключение, черты рондальности. Устрашающей теме крестоносцев противостоит русский скомороший наигрыш. Звучат темы предыдущих частей – 3-ей и 4-ой. После грандиозной кульминации (tutti, fff) и провала немцев под лёд идёт успокоение и поэтическое заключение.

Шестая часть «Мёртвое поле» - лирико-эпическая разрядка после напряжённой битвы. Единственная во всей кантату ария, впервые вносящая в музыку элемент личного чувства. Засурдиненные струнные, скорбные интонации, натуральный минор, переменность лада, распевность – яркий пример славянского мелоса.

Седьмая часть – «Въезд Александра во Псков». Победно-патриотический финал кантаты почти целиком основан на русских темах из 2-ой, 4-ой и 5-ой частей. Основное настроение – народное ликование, радость русского народа.

Д.Д. Шостакович. (1906-1975).

Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 – 1953), вошедший в историю русской музыки как великий композитор, новатор, мастер музыкального театра, создатель нового музыкального языка и ниспровергатель старых канонов, всегда оставался истинно русским художником.
М. Тараканов отмечает, что в этом – главное историческое значение Прокофьева, продолжившего в данном направлении дело и ; его

«по праву можно назвать солнцем русской музыки».

В то же время, продолжая идти в некотором смысле по пути А. Бородина и , он привносит в музыку натиск, динамику, энергию, наполненные глубокими идеями и светлым оптимизмом.

Музыкальный театр Прокофьева

Непрерывный творческий процесс работы композитора в данном русле обусловлен развитием музыкально-сценической драматургии в связи с тремя основными линиями (выделяет Л. Данько):

комедийно-скерцозная , отмеченная связью с традициями народного ярмарочного представления, сказочно-пародийных спектаклей (например, балет «Шут», опера «Любовь к трем апельсинам»);
конфликтно-драматургическая , берущая начало от оперы «Игрок»– вплоть до оперы «Война и мир»;
лирико-комедийная (опера «Дуэнья», балет «Золушка»).

Четвертая линия, связанная с народной песенностью, формируется в последние годы жизни композитора (опера «Повесть о настоящем человеке», балет «Сказ о каменном цветке».

Оперы С.С.Прокофьева

Тематика оперных сюжетов охватывает образцы русской и европейской классической литературы; временной диапазон от эпохи Средневековья вплоть до периода Советского Союза. Помимо завершенных, немало оперных замыслов осталось нереализованными; некоторые приводит в пример Н. Лобачевская:

«Рассказ о простой вещи» (по повести Б. Лавреньева), существующий в виде краткого плана оперы;
«Расточитель» (по пьесе Н. Лескова), представляющий собой пространное изложение сюжета;
«Вас вызывает Таймыр» (по пьесе А. Галича и К. Исаева) – здесь разработаны отдельные характеры и сцены;
замыслы опер «Хан Бузай» и «Далекие моря» (сохранилась 1-я картина).

Среди завершенных опер :

«Пир во время чумы», родившийся в результате занятий композитора с Глиэром;
«Маддалена» (1911, 2-я ред. 1913) – одноактная лирико-драматическая опера;
«Игрок» (1916, 2-я ред. 1927), где зарождается тип конфликтной драматургии;
«Любовь к трем апельсинам» (1919), восходящая к традициям dell arte ;
«Огненный ангел» (1919-1927/1928, по одноименному роману В. Брюсова), сочетает черты камерной лирико-психологической оперы и социальной трагедии;
«Семен Котко» (1939), сочетающий черты любовной драмы, комедии, социальной трагедии;
«Дуэнья» (или «Обручение в монастыре», 1946) – синтезирует жанры лирической комедии и социальной сатиры;
«Война и мир» (1941-1952) – опера-дилогия по роману Л. Толстого;
«Повесть о настоящем человеке» (1948, 2-я ред. 1960) — посвящена одной из важнейших проблем советского искусства: национальный характер в период Великой Отечественной войны.

Прокофьев в музыкальных текстах своих произведений – сторонник рационального использования музыкально-выразительных средств; как драматург, обновляет оперный жанр введением в него элементов драматического театра и кинематографа. Так, специфику прокофьевской монтажной драматургии охарактеризовал М. Друскин: «прокофьевская драматургия – это не простая смена «кадров», не калейдоскоп чередующихся эпизодов, а музыкальное перевоплощение принципов то «замедленной», то «убыстренной» съемки, то «наплыва», то «крупного плана». Также оперы Прокофьева отличают многоплановость образов и сценических ситуаций, полярность в отражении действительности.

Балеты Прокофьева

Характерная для ХХ в. тенденция к симфонизации возводит балетный жанр не только в ранг одного из ведущих, но и делает его серьезным конкурентом оперы. Во многом она (тенденция) связана с именем С. Дягилева, по заказу которого были созданы практически все ранние балеты Прокофьева.

композитор продолжает и завершает балетную реформу, начатую , доводя ее до той вершины, где балет из хореографического спектакля превращается в музыкальный театр;
из трех ведущих линий советского балетного театра (героико-историческая, классическая, сатирическая) именно классическая, имеющая лирико-психологическую природу, оказывается основополагающей для балетов Прокофьева;
, важная роль оркестра, развитая лейтмотивная система.

«Ала и Лоллий» (1914), в основе которого – скифский сюжет. Его музыка также известна как «Скифская сюита»; дерзкий, острый, смелый «Шут», или «Сказка про шута семерых шутов перешутившего» (1915 – 1920), поставлен в Париже.
Балеты 20-30х годов: («Трапеция», 1924; «Стальной скок», 1925; «Блудный сын», 1928; «На Днепре», 1930, памяти С. Дягилева).
Три балета – шедевры, созданные по возвращении на родину («Ромео и Джульетта», 1935; «Золушка», 1940-1944; «Сказ о каменном цветке», 1948-1950).

Инструментальное творчество Прокофьева

Симфонии

№1 (1916 – 1917) «Классическая», где композитор обращается к бесконфликтному типу симфонизма добетховенского периода (гайдновский тип симфонизма);
№2–4 (1924, 1928, 1930) – симфонии зарубежного периода. Симфонию №2 Асафьев назвал симфонией «из железа и стали». Симфонии №3 и №4 – на материале оперы «Огненный ангел» и балета «Блудный сын»;
№5–7 (1944, 1945 – 47, 1951 – 1952) – написаны в поздний период. Героико-эпическая симфония №5 отразила дух военного времени; симфония №7, завершенная менее чем за год до смерти композитора, исполнена, тем не менее, оптимизма и радости жизни.
С. Слонимский к симфониям также относит симфонию-концерт для виолончели b —moll (1950 – 1952).

Фортепианное творчество Прокофьева

«стеклянный» колорит, «точно соответствующий нонлегатному пианизму самого Прокофьева» (Л. Гаккель).

композиторов-кучкистов, с другой – к представителям западной музыкальной культуры. Так, бодрый тон творчества, стройность музыки, приемы гармонического развития (органные пункты, параллелизмы и т.д.), ритмическая четкость, лаконичность в изложении музыкальной мысли роднят его с Григом; изобретательность в области гармонии – с Регером; изящество тарантелльных ритмов – с Сен-Сансом (отмечает Л. Гаккель).

Для Прокофьева важна наглядность музыкальных идей, максимальная простота и рельефность в их реализации. Отсюда – стремление к «прозрачности» звучания (характерно для ранних произведений), где темы часто оказываются в верхнем регистре, а по мере роста динамического напряжения – сокращается число звучащих голосов (дабы не перегружать звучность). Общая логика развития, как правило, определяется движением мелодической линии.

В фортепианном наследии Прокофьева – 9 сонат (№10 осталась незавершенной), 3 сонатины, 5 концертов (№4 – для левой руки), множество пьес, фортепианные циклы («Сарказмы», «Мимолетности», «Сказки старой бабушки», т.д.), порядка 50 транскрипций (в основном, собственных сочинений).

Кантатно-ораториальное творчество

Прокофьевым создано 6 кантат:

«Семеро их» 1917-18, «Кантата к 20-летию Октября» 1936-37, «Здравица» 1939, «Александр Невский» 1938-39, «Баллада о мальчике, оставшемся неизвестным» 1942-43, «Расцветай, могучий край» 1947, оратория «На страже мира» 1950.

Одним из первых образцов нового подхода к жанру исторической кантаты считается одночастная кантата Прокофьева «Семеро их», написанная на тексты «Зовов древности» Бальмонта, – обращенные в стихи халдейские заклинания для заклятия семерых чудовищ, антибогов, мешающих жизни. В кантате скифские тенденции переплетаются с конструктивистскими, что характерно также для Скифской сюиты и симфонии №2; предвосхищаются сонорные приемы хорового письма. Главным выразительным средством оказывается прием ostinato, близкий, с одной стороны, древним заклинаниям; с другой – идущий из музыки нового времени.

«Кантата к 20-летию Октября» родилась под впечатлением возвращения композитором на родину и стремлением запечатления эпохальных событий Советской России. Ее идейная суть: Великая Октябрьская социалистическая революция, победа, индустриализация страны, Конституция. В текстовом отношении – содержит фрагменты работ Маркса, Сталина, Ленина. Произведение было отклонено Комитетом по делам искусства, поскольку идея воплотить эти темы в музыке была расценена как кощунство. Премьера состоялась лишь в 1966 г.

Широко известный исторический (героико-патриотический) опус «Александр Невский» – монументальное творение Прокофьева, основанное на музыкальном материале одноименного кинофильма (тексты композитора и В. Луговского). В 7 частях кантаты («Русь под игом монгольским», «Песня об Александре Невском», «Крестоносцы во Пскове», «Вставайте, люди русские», «Ледовое побоище», «Мертвое поле», «Въезд Александра во Псков») наблюдается тесное взаимодействие драматургических принципов эпической композиции и кинематографического монтажа:

эпика – в выдвижении на первый план народа как главного действующего лица, обобщенной трактовке образа Александра Невского, характеризуемого посредством песни о нем;
монтажный принцип ярко проявляется в сцене ледового побоища посредством подключения нового музыкального материала, обусловленного динамикой зрительного ряда. В то же время он действует на уровне форм – в последовательности самостоятельных разделов, при этом иногда формируются внутренние структуры, иногда – развитие не подчиняется логике ни одной из типовых форм.

Общая динамика эволюции стиля С. Прокофьева отмечена постепенно усиливающимся тяготением к мелодизации в сравнении с моторикой и скерцозностью, имеющими ведущее значение в ранний период творчества, что, впрочем, не всегда было связано с эволюцией творчества композитора, а определялось тем, в какой стране и когда он живет.

Наряду с иными новаторами (К. Дебюсси, Б. Бартоком, ), он в своем творчестве определил новые пути развития музыки ХХ века.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

Человек-явление, в ярких жёлтых ботинках, клетчатый, с красно-оранжевым галстуком, несущий в себе вызывающую силу — так описывал Прокофьева великий русский пианист. Это описание как нельзя лучше подходит и к личности композитора, и к его музыке. Творчество Прокофьева — это сокровищница нашей музыкальной и национальной культуры, но и жизнь композитора не менее интересна. Уехав на Запад в самом начале революции и прожив там 15 лет, композитор стал одним из немногих «возвращенцев», что обернулось для него глубокой личной трагедией.

Творчество Сергея Прокофьева кратко изложить невозможно: он написал огромное количество музыки, работал в совершенно разных жанрах, начиная от небольших фортепианных пьес и заканчивая музыкой к кинофильмам. Неуёмная энергия постоянно толкала его на различные эксперименты, и даже кантата, славящая Сталина, поражает своей совершенно гениальной музыкой. Разве что концерта для фагота с народным оркестром не написал и творчество этого великого русского композитора будут рассмотрены в этой статье.

Детство и первые шаги в музыке

Сергей Прокофьев родился в 1891 году в деревне Сонцовка Екатеринославской губернии. С самого раннего детства определились две его особенности: крайне независимый характер и непреодолимая тяга к музыке. В возрасте пяти лет он уже начинает сочинять небольшие пьески для фортепиано, в 11 пишет настоящую детскую оперу «Великан», предназначенную для постановки на домашнем театральном вечере. Тогда же в Сонцовку был выписан молодой, на тот момент ещё неизвестный композитор Рейнгольд Глиэр для обучения мальчика начальным навыкам композиторской техники и игры на фортепиано. Глиэр оказался прекрасным педагогом, под его чутким руководством Прокофьев заполнил несколько папок своими новыми сочинениями. В 1903 году со всем этим богатством он отправился поступать в Петербургскую консерваторию. Римский-Корсаков был впечатлён таким усердием и тут же зачислил его в свой класс.

Годы обучения в Петербургской консерватории

В консерватории Прокофьев учился композиции и гармонии у Римского-Корсакова и у Лядова, а игре на фортепиано - у Есиповой. Живой, любознательный, острый и даже едкий на язык, он приобретает не только множество друзей, но и недоброжелателей. В это время он начинает вести свой знаменитый дневник, который закончит только с переездом в СССР, подробно записывая почти каждый день своей жизни. Прокофьев интересовался всем, но больше всего его занимали шахматы. Он мог часами простаивать на турнирах, наблюдая за игрой мастеров, и сам достиг в этой области значительных успехов, чем невероятно гордился.

Фортепианное творчество Прокофьева пополнилось в это время Первой и Второй сонатами и Первым концертом для фортепиано с оркестром. Стиль композитора определился сразу — свежий, абсолютно новый, смелый и дерзкий. Он, казалось, не имел ни предшественников, ни последователей. На самом деле это, конечно, не совсем так. Темы творчества Прокофьева вышли из недолгого, но весьма плодотворного развития русской музыки, логически продолжая путь, начатый Мусоргским, Даргомыжским и Бородиным. Но, преломившись в энергичном уме Сергея Сергеевича, они породили совершенно самобытный музыкальный язык.

Впитав в себя квинтэссенцию русского, даже скифского духа, творчество Прокофьева действовало на слушателей как холодный душ, вызывая либо бурный восторг, либо возмущённое неприятие. Он в буквальном смысле ворвался в музыкальный мир — Петербургскую консерваторию он закончил как пианист и композитор, сыграв на выпускном экзамене свой Первый фортепианный концерт. Комиссия в лице Римского-Корсакова, Лядова и других пришла в ужас от вызывающих, диссонирующих аккордов и бьющей наповал, энергичной, даже варварской манеры игры. Однако они не могли не понять, что перед ними мощное явление в музыке. Оценка высокой комиссии была пять с тремя плюсами.

Первое посещение Европы

В награду за успешное окончание консерватории Сергей получает от отца поездку в Лондон. Здесь он близко познакомился с Дягилевым, который сразу рассмотрел в молодом композиторе недюжинный талант. Он помогает Прокофьеву устроить гастроли в Риме и Неаполе и даёт заказ на написание балета. Так появился «Ала и Лоллий». Сюжет Дягилев забраковал из-за «банальности» и дал совет в следующий раз написать что-нибудь на русскую тему. Прокофьев начал работать над балетом «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» и одновременно стал пробовать свои силы в написании оперы. Канвой для сюжета был выбран роман Достоевского «Игрок», с детства любимый композитором.

Не оставляет без внимания Прокофьев и свой любимый инструмент. В 1915 году он начинает писать цикл фортепианных пьес «Мимолётности», открывая при этом лирический дар, которого раньше в «композиторе-футболисте» не подозревал никто. Лирика Прокофьева — это особая тема. Невероятно трогательная и нежная, облачённая в прозрачную, тонко выверенную фактуру, она прежде всего покоряет своей простотой. Творчество Прокофьева показало, что он великолепный мелодист, а не только разрушитель традиций.

Заграничный период жизни Сергея Прокофьева

По сути, эмигрантом Прокофьев и не был. В 1918 году он обратился к Луначарскому, тогдашнему наркому просвещения, с просьбой о предоставлении разрешения для выезда за границу. Ему выдали заграничный паспорт и сопроводительные документы без срока действия, в которых целью поездки обозначалось налаживание культурных связей и поправка здоровья. Мать композитора долгое время оставалась в России, что доставляло Сергею Сергеевичу немало беспокойства до тех пор, пока он не смог вызвать её в Европу.

Вначале Прокофьев едет в Америку. Буквально через несколько месяцев туда же приезжает другой величайший русский пианист и композитор - Сергей Рахманинов. Соперничество с ним было главной задачей Прокофьева в первое время. Рахманинов сразу стал в Америке очень знаменит, и Прокофьев ревностно отмечал каждый его успех. Отношение его к старшему коллеге было весьма смешанным. В дневниках композитора этого времени часто встречается имя Сергея Васильевича. Отмечая его невероятный пианизм и ценя музыкантские качества, Прокофьев считал, что Рахманинов излишне потакает вкусам публики и мало пишет собственной музыки. Сергей Васильевич действительно за более чем двадцать лет жизни вне России написал очень мало. Первое время после эмиграции он находился в глубокой и затяжной депрессии, страдая от острой ностальгии. Творчество Сергея Прокофьева же, казалось, совершенно не страдало от отсутствия связи с родиной. Оно оставалось таким же гениальным.

Жизнь и творчество Прокофьева в Америке и Европе

В поездке по Европе Прокофьев вновь встречается с Дягилевым, который просит его переработать музыку «Шута». Постановка этого балета принесла композитору первый сенсационный успех за границей. За ним последовала знаменитая опера «Любовь к трём апельсинам», марш из которой стал такой же бисовой пьесой, как до-диез-минорная Прелюдия Рахманинова. На этот раз Прокофьеву покорилась Америка — премьера оперы «Любовь к трём апельсинам» состоялась в Чикаго. Оба эти произведения имеют много общего. Юмористические, местами даже сатирические — как, например, в «Любви», где Прокофьев с иронией выставил вздыхающих романтиков как слабых и болезненных персонажей — они брызжут типично прокофьевской энергией.

В 1923 году композитор поселяется в Париже. Здесь он знакомится с очаровательной молодой певицей Линой Кодиной (сценический псевдоним Лина Любера), которая впоследствии станет его женой. Образованная, утончённая, потрясающая красавица-испанка сразу привлекала к себе внимание окружающих. Её отношения с Сергеем складывались не очень ровно. Долгое время он не хотел узаконивать их отношения, считая, что художник должен быть свободен от всяких обязательств. Поженились они только тогда, когда Лина забеременела. Это была совершенно блистательная пара: Лина ни в чём не уступала Прокофьеву - ни в независимости характера, ни в амбициях. Между ними часто вспыхивали ссоры, за которыми следовало нежное примирение. О преданности и искренности чувств Лины свидетельствует тот факт, что она не только последовала за Сергеем в чужую для неё страну, но и до дна испив чашу советской карательной системы, была верна композитору до конца своих дней, оставаясь его женой и заботясь о его наследии.

Творчество Сергея Прокофьева в то время испытало заметный уклон в романтическую сторону. Из-под его пера появилась опера «Огненный ангел» по новелле Брюсова. Мрачный средневековый колорит передан в музыке с помощью тёмных, вагнеровских гармоний. Это был новый для композитора опыт, и он с увлечением работал над этим произведением. Как всегда, это удалось ему как нельзя лучше. Тематический материал оперы был позднее использован в Третьей симфонии, одном из самых откровенно романтических произведений, которых не так много включает творчество композитора Прокофьева.

Воздух чужбины

Причин возвращения композитора в СССР было несколько. Жизнь и творчество Сергея Прокофьева корнями были связаны в Россией. Прожив за границей около 10 лет, он начал чувствовать, что воздух чужбины негативно сказывается на его состоянии. Он постоянно переписывался со своим другом, композитором Н. Я. Мясковским, оставшимся в России, разузнавая обстановку на родине. Конечно, советское правительство делало всё, чтобы заполучить Прокофьева обратно. Это было необходимо для укрепления престижа страны. К нему регулярно подсылались культурные работники, в красках описывающие, какое радужное будущее ждёт его на родине.

В 1927 году Прокофьев предпринял первую поездку в СССР. Принимали его с восторгом. В Европе, несмотря на успех его сочинений, должного понимания и сочувствия он не находил. Соперничество с Рахманиновым и Стравинским не всегда решалось в пользу Прокофьева, что больно кололо его самолюбие. В России же он надеялся найти то, чего ему так не хватало — истинное понимание его музыки. Горячий приём, оказываемый композитору в его поездках в 1927 и 1929 годах, заставил его всерьёз задуматься об окончательном возвращении. Тем более что друзья из России в письмах взахлёб рассказывали, как прекрасно будет ему житься в стране советов. Единственный, кто не побоялся предостеречь Прокофьева от возвращения, был Мясковский. Атмосфера 30-х годов 20 века уже начала сгущаться над головами, и он прекрасно понимал, что может ждать композитора на самом деле. Однако в 1934 году Прокофьев принял окончательное решение вернуться в Союз.

Возвращение на родину

Прокофьев совершенно искренне воспринял коммунистические идеи, видя в них прежде всего стремление построить новое, свободное общество. Ему импонировал дух равенства и антибуржуазности, который старательно поддерживала государственная идеология. Справедливости ради стоит сказать, что очень многие советские люди разделяли эти идеи тоже совершенно искренне. Хотя тот факт, что дневник Прокофьева, который он пунктуально вёл на протяжении всех предыдущих лет, обрывается как раз с приездом в Россию, заставляет задуматься, так ли уж Прокофьев был не осведомлён о компетенции охраняющих безопасность органов СССР. Внешне он был открыт советской власти и лоялен к ней, хотя всё прекрасно понимал.

Тем не менее, родной воздух оказал чрезвычайно плодотворное влияние на творчество Прокофьева. По словам самого композитора, он стремился как можно быстрее включиться в работу над советской тематикой. Познакомившись с режиссёром он с воодушевлением берётся за работу над музыкой к кинофильму «Александр Невский». Материал оказался настолько самодостаточен, что сейчас исполняется на концертах в виде кантаты. В этом полном патриотического подъёма произведении композитор выразил любовь и гордость по отношению к своему народу.

В 1935 году Прокофьев закончил одно из самых лучших своих произведений — балет «Ромео и Джульетта». Однако зрители увидели его нескоро. Цензура забраковала балет из-за счастливого конца, который не соответствовал шекспировскому оригиналу, а танцоры и балетмейстеры жаловались, что музыка непригодна для танца. Новая пластика, психологизация движений, которых требовал музыкальный язык этого балета, оказались не сразу понятыми. Первый спектакль состоялся в Чехословакии в 1938 году, в СССР зрители увидели его в 1940 году, когда главные роли исполнили и Константин Сергеев. Именно им удалось найти ключ к пониманию сценического языка движений под музыку Прокофьева и прославить этот балет. До сих пор Уланова считается лучшей исполнительницей роли Джульетты.

«Детское» творчество Прокофьева

В 1935 году Сергей Сергеевич вместе с семьёй впервые посетил детский музыкальный театр под руководством Н. Сац. Прокофьев был захвачен действием на сцене не меньше, чем его сыновья. Его так воодушевила идея поработать в подобном жанре, что он в короткий срок написал музыкальную сказку «Петя и волк». По ходу действия этого спектакля ребята имеют возможность познакомиться со звучанием различных музыкальных инструментов. Творчество Прокофьева для детей включает в себя также романс «Болтунья» на стихи Агнии Барто и сюиту «Зимний костёр». Композитор очень любил детей и с удовольствием писал музыку для этой аудитории.

Конец 1930-х годов: трагическая тематика в творчестве композитора

В конце 30-х годов 20 века музыкальное творчество Прокофьева было проникнуто тревожными интонациями. Такова его триада фортепианных сонат, называемых «военными», - Шестая, Седьмая и Восьмая. Закончены они были в разное время: Шестая соната - в 1940 году, Седьмая - в 1942 г., Восьмая - в 1944 г. Но работать над всеми этими произведениями композитор начал приблизительно в одно время — в 1938 году. Неизвестно, чего в этих сонатах больше — 1941 года или 1937-го. Острые ритмы, диссонирующие созвучия, погребальные колокольные звоны буквально переполняют эти сочинения. Но в то же время в них наиболее ярко проявилась типично прокофьевская лирика: вторые части сонат — это нежность, переплетённая с силой и мудростью. Премьера Седьмой сонаты, за которую Прокофьев получил Сталинскую премию, состоялась в 1942 году в исполнении Святослава Рихтера.

Казус Прокофьева: вторая женитьба

В личной жизни композитора в это время тоже происходила драма. Отношения с Пташкой — так называл жену Прокофьев — трещали по всем швам. Независимая и общительная женщина, привыкшая к светскому общению и испытывающая острую его нехватку в Союзе, Лина постоянно посещала иностранные посольства, чем вызывала к себе пристальное внимание отдела госбезопасности. О том, что стоит ограничить столь предосудительное общение, тем более во время нестабильной международной обстановки, не раз говорил жене Прокофьев. Биография и творчество композитора сильно страдали от такого поведения Лины. Однако она не обращала на предостережения никакого внимания. Между супругами часто вспыхивали ссоры, отношения, и без того бурные, стали ещё более напряжёнными. Во время отдыха в санатории, где Прокофьев был один, он познакомился с молодой женщиной Мирой Мендельсон. Исследователи до сих пор спорят, не была ли она специально подослана композитору с целью оградить его от своенравной жены. Мира была дочерью сотрудника Госплана, так что эта версия не кажется очень маловероятной.

Она не отличалась ни особенной красотой, ни какими-либо творческими способностями, писала весьма посредственные стихи, не стесняясь цитировать их в своих письмах к композитору. Главными её достоинствами были обожание Прокофьева и полная покорность. Вскоре композитор решил попросить у Лины развод, который та ему дать отказалась. Лина понимала, что пока она остаётся женой Прокофьева, у неё есть хоть какой-то шанс выжить в этой враждебной для неё стране. Далее последовала совершенно удивительная ситуация, которая в юридической практике даже получила своё название - «казус Прокофьева». Официальные органы Советского Союза объяснили композитору, что, поскольку его брак с Линой Кодина был зарегистрирован в Европе, с точки зрения законов СССР он является недействительным. В итоге Прокофьев женился на Мире без расторжения брака с Линой. Ровно через месяц Лина была арестована и отправлена в лагерь.

Прокофьев Сергей Сергеевич: творчество в послевоенные годы

То, чего Прокофьев подсознательно боялся, случилось в 1948 году, когда вышло печально известное постановление правительства. Опубликованное в газете «Правда», оно осуждало путь, которым пошли некоторые композиторы, как ложный и чуждый советскому мироощущению. В число таких «заблудших» попал и Прокофьев. Характеристика творчества композитора была такова: антинародная и формалистическая. Это был страшный удар. На долгие годы он обрёк на «молчание» А. Ахматову, задвинул в тень Д. Шостаковича и многих других деятелей искусства.

Но Сергей Сергеевич не сдался, продолжая творить в своём стиле до конца дней. Симфоническое творчество Прокофьева последних лет стало итогом всего его композиторского пути. Седьмая симфония, написанная за год до смерти, — это торжество мудрой и чистой простоты, того света, к которому он шёл долгие годы. Умер Прокофьев года, в один день со Сталиным. Его уход остался почти незамеченным из-за всенародной скорби по поводу кончины любимого вождя народов.

Жизнь и творчество Прокофьева кратко можно охарактеризовать как постоянное стремление к свету. Невероятно жизнеутверждающее, оно приближает нас к идее, воплощённой великим Бетховеном в своей лебединой песне, — Девятой симфонии, где в финале звучит ода «К радости»: «Обнимитесь миллионы, слейтесь в радости одной». Жизнь и творчество Прокофьева — это путь большого художника, всю жизнь положившего служению Музыке и её великой Тайне.

Прокофьев Сергей Сергеевич (23 апреля 1891 – 5 марта 1953) – величайший русский и советский композитор, пианист, дирижёр. Сочинил 11 опер, 7 симфоний, 8 концертов, 7 балетов, огромное количество инструментальных и вокальных произведений, а также музыку к фильмам и спектаклям. Лауреат Ленинской премии (посмертно), лауреат шести Сталинских премий, Народный артист РСФСР. Более исполняемого композитора не было в 20 веке.

Детство и учёба в консерватории

В конце 19 века была в Российской империи Екатеринославская губерния, а в ней Бахмутский уезд. Вот в этом уезде 23 апреля в 1891 году в селе, или, как тогда было принято называть, имении Сонцовка родился Сергей Прокофьев (ныне его родина больше известна всему миру, как Донбасс).

Его папа Сергей Алексеевич учёный-агроном, на момент рождения сына работал управляющим в имении у помещика. В семье до этого были рождены две девочки, но они умерли в младенческом возрасте. Поэтому мальчик Серёжа был очень долгожданным ребёнком и родители отдали ему всю свою любовь, заботу и внимание. Воспитанием практически полностью занималась мама мальчика Мария Григорьевна. Она из крепостного рода Шереметовых, где детей с раннего возраста обучали музыке и театральному искусству (причём не просто так, а на самом высоком уровне). Мария Григорьевна тоже была пианисткой.

Это и повлияло на то, что маленький Серёжа уже в 5 лет занимался музыкой, и постепенно в нём стал проявляться дар сочинительства. Он придумывал музыку в виде пьес и песенок, рондо и вальсов, а мама писала за ним. Как вспоминал композитор, самым сильным детским впечатлением для него оказалась поездка в Москву с мамой и папой, там они были в театре и слушали «Князя Игоря» А. Бородина, «Фауста» Шарля Гуно. Увидев «Спящую красавицу» П.Чайковского, мальчик вернулся домой просто одержимым скорее написать что-то подобное. Уже в десять лет он пишет два произведения под названиями «Великан» и «На пустынных островах».

Второй московский приезд Серёжи был в начале зимы 1901 года. Его слушал профессор консерватории Танеев С. Опытный педагог заметил талант у ребёнка и порекомендовал заниматься музыкой со всей серьёзностью и систематичностью. Летом в село Сонцовку приехал в будущем известный композитор Рейнгольд Глиэр. Он недавно окончил консерваторию, получил золотую медаль и по рекомендациям Танеева прибыл в имение. Он обучал маленького Прокофьева музыкальным теориям импровизации, гармонии, композиции, стал помощником в написании произведения «Пир во время чумы». Осенью Глиэр вместе с Марией Григорьевной, мамой Серёжи, снова повезли ребёнка в Москву к Танееву.

По поводу талантливого мальчика было принято решение, и Сергей становится учеником Петербургской консерватории. Его учителя – А.Н.Есипова, Н.А. Римский-Корсаков, А.К. Лядов, Н.Н. Черепнин. В 1909 году он заканчивает консерваторию как композитор, а в 1914 году как пианист. По окончании консерватории Прокофьев получил золотую медаль. А на выпускных экзаменах комиссия единогласно присудила ему премию им. А. Рубинштейна – рояль «Шредер». Но он не ушёл из консерватории, а продолжил заниматься по классу органа до 1917 года.

С 1908 года солировал, исполнял собственные произведения. После окончания консерватории Прокофьев впервые поехал в Лондон (такой подарок обещала ему мама). Там он знакомится с Дягилевым, который в то время устраивал во французской столице «Русские сезоны». С этого момента молодому музыканту открылась дорога в популярные европейские салоны. Его вечера с фортепиано имели в Неаполе и Риме огромный успех.

С детства характер Сергея не был простым, это даже нашло отражение в его ранних произведениях. Во время учёбы в консерватории он частенько эпатировал окружающих своим внешним видом, всегда старался захватить лидерство и находиться в центре внимания. Люди, знавшие его в те годы, отмечали, что он всегда выглядел особенно. У Прокофьева был отменный вкус, он очень красиво одевался, позволяя себе при этом яркие цвета и броские сочетания в одежде.

Много позже о нём скажет Святослав Рихтер:

«Однажды солнечным днём я гулял на Арбате и встретил необычайного человека, который нёс в себе силу и вызов, прошёл мимо меня как явление. Он был в ботинках ярко-жёлтого цвета и красно-оранжевом галстуке. Я не удержался, обернулся и посмотрел ему вслед. Это был Сергей Прокофьев».

Жизнь вне России

Под конец 1917 года Сергей принимает решение уехать из России. Как писал он в своём дневнике, решение поменять Россию на Америку обосновывалось на желании увидеть жизнь, бьющую ключом, а не закисание; культуру, а не дичь и резню; давать не жалкие концерты в Кисловодске, а выступать в Чикаго и Нью-Йорке.

Весенним майским днём 1918 года Прокофьев покидает Москву и уезжает из неё, взяв билет на Сибирский экспресс. В первый день лета он добирается до Токио и порядка двух месяцев ожидает там американскую визу. В начале августа Сергей Сергеевич уплыл в Соединённые Штаты Америки. Там он прожил три года и в 1921 переезжает во Францию.

В следующие пятнадцать лет он много работал и выступал с концертами в американских и европейских городах, даже три раза приезжал с концертами в Советский Союз. В это время он знакомится и очень сближается с такими известными в культурном мире людьми, как Пабло Пикассо и Сергей Рахманинов. Также Прокофьев успел жениться, спутницей его жизни стала испанка Каролина Кодина-Любера. У пары родилось двое сыновей – Олег и Святослав. Но всё чаще Сергея одолевали мысли по поводу возвращения домой.

В 1936 году Прокофьев вместе с супругой и сыновьями приехал в СССР и обосновался в Москве.

До конца жизни он только два раза выезжал за границу с концертами – в сезоны 1936/1937 и 1938/1939 годов.

Прокофьев очень много общался с известными деятелями искусства того времени. Вместе с Сергеем Эйзенштейном они работали над кинолентой «Александр Невский».

2 мая 1936 года в Центральном детском театре состоялась премьера известной на весь мир сказки-симфонии «Петя и волк».

Перед самым началом войны композитор работал над операми «Дуэнья» и «Семен Котко».

Военный период ознаменовался в творческой жизни композитора оперой «Война и мир», Пятой симфонией, музыкой к кинокартине «Иван Грозный», балетом «Золушка» и многими другими произведениями.

В семейной жизни Прокофьева изменения произошли ещё в 1941, перед началом войны. В это время он уже не жил со своей семьёй. Много позже советским правительством его брак признался недействительным, и Прокофьев в 1948 году снова вступил в законные супружеские отношения с Мирой Мендельсон. Жена Лина пережила арест, лагеря и реабилитацию. В 1956 году она уехала из Советского Союза в Германию. Лина прожила долгую жизнь и умерла в пожилом возрасте. Всё это время она любила Прокофьева и до последних дней вспоминала, как в первый раз увидела и услышала его на концерте. Она обожала Серёжу, его музыку и во всём обвиняла Миру Мендельсон.

Для самого Прокофьева послевоенные годы обернулись резким ухудшением здоровья, прогрессировала гипертония. Он стал аскетом и никуда не выезжал со своей дачи. У него был строгий медицинский режим, но, несмотря на это, он закончил работу над балетом «Сказ о каменном цветке», Девятой симфонией, оперой «Повесть о настоящем человеке».

Смерть великого композитора прошла незамеченной советскими людьми и средствами массовой информации. Потому что случилось это 5 марта 1953 года, когда не стало и товарища Сталина. Более того, коллеги музыканта, его близкие и друзья испытали даже немалые проблемы в организационных похоронных вопросах. Композитор умер в московской коммуналке от того, что случился гипертонический криз. Похороны прошли на московском Новодевичьем кладбище.

Через 4 года советские власти как будто попытались загладить свою вину перед знаменитым музыкантом и назначили ему Ленинскую премию посмертно.

Произведения – шедевры с мировой славой

В мире особенной популярностью и любовью пользуются балеты, написанные С.С. Прокофьевым.

Год премьеры	Название произведения	Место премьеры
1921	«Сказка про шута, семерых шутов перешутившего»	Париж
1927	«Стальной скок»	Париж
1929	«Блудный сын»	Париж
1931	«На Днепре»	Париж
1938, 1940	«Ромео и Джульетта» по У. Шекспиру	Брно, Ленинград
1945	«Золушка»	Москва
1951, 1957	«Сказ о каменном цветке» по П.П. Бажову	Москва, Ленинград

Для оркестров Прокофьевым было создано 7 симфоний, Скифская сюита «Ала и Лоллий», два пушкинских вальса и много других увертюр, поэм, сюит.

1927 «Огненный ангел» (автор В.Я. Брюсов) 1929 «Игрок» (автор Ф.М. Достоевский) 1940 «Семён Котко» 1943 «Война и мир» (автор Л.Н. Толстой) 1946 «Обручение в монастыре» (автор Р. Шеридан «Дуэния») 1948 «Повесть о настоящем человеке» (автор Б.П. Полевой) 1950 «Борис Годунов» (автор А.С. Пушкин)

В мире помнят великого человека и почитают его произведения. Очень многие музыкальные училища и концертные залы, самолёты и аэропорты, улицы и детские музыкальные школы, симфонические оркестры и музыкальные академии носят имя С. С. Прокофьева. Два музея открыты в Москве и один на его родине, в Донбассе.