Публикации раздела Музыка

Как правильно слушать Стравинского

В 2017 году мировая музыкальная общественность отмечает 135 лет со дня рождения русского композитора Игоря Стравинского. Он стал одним из величайших музыкантов ХХ века и одной из самых ярких фигур мирового современного искусства. В честь Стравинского названа площадь в центре Парижа, украшенная множеством авангардных скульптур. О том, как правильно слушать Стравинского, чтобы понять его оригинальный стиль, расскажет «Культура.РФ».

Гражданин мира

Будучи русским по рождению, Стравинский стал поистине «гражданином мира». Попав благодаря Русским сезонам Сергея Дягилева в самую гущу художественной жизни Европы, он получил уникальный шанс продемонстрировать композиторский талант публике широких взглядов. Мировая известность, которую Стравинский обрел после грандиозного парижского успеха своих первых трех балетов - «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913), утвердила его как уважаемого деятеля художественного авангарда и позволила творить абсолютно свободно. Такой полет Стравинский вряд ли мог бы позволить себе на родине, где до революции 1917 года ему приходилось бы считаться с мнением консерватóрских консервáторов, а после революции - соответствовать классовой идеологии новых хозяев жизни. Произведения - и даже само упоминание - Стравинского были запрещены в СССР вплоть до оттепели 1960-х годов, а за найденную, например, партитуру композитора студента-музыканта могли исключить из комсомола и даже из консерватории.

Стиль Стравинского

На протяжении ХХ века Стравинский успел попробовать себя практически во всех музыкальных стилях. В официальном музыковедении принято делить творческую биографию Стравинского на несколько стилевых этапов. Обычно называют три основных периода его жизни и творчества - «русский», «неоклассический» и «серийный». Но на самом деле это разделение достаточно условно. Практически каждое крупное произведение Стравинского написано в своем уникальном стиле, что характерно для всей музыки прошлого века в целом. И в то же время все его сочинения объединяет единый творческий подход, который можно проследить на протяжении всей жизни композитора.

Игорь Стравинский. Балет «Петрушка» (русские потешные сцены в четырех картинах). Редакция 1947 года. Исполняет Симфонический оркестр Московской консерватории под управлением Владимира Юровского

В большинстве произведений Стравинский обращается к какому-либо стилевому первоисточнику. Это может быть и русский фольклор, и барокко, и ранний джаз, и петровские канты, и городской романс, и популярная музыка, и многие другие стили. И к чему бы Стравинский ни обращался, он действует всегда по одному и тому же принципу: берет базовые мотивы, из которых построены большей частью сочинения того или иного стиля, и строит из них свои, уже совершенно самостоятельные произведения..

К чему привыкли слушатели

Для неподготовленного слушателя многие произведения Стравинского до сих пор звучат несколько непривычно - как, впрочем, и практически вся музыка ХХ века. Одна из причин этого - репертуарная политика большинства филармонических залов, где звучит главным образом академическая музыка классико-романтического периода. Она основана на двух параметрах, которые впитаны нами не просто с рождения, а едва ли не на генетическом уровне: тональности (взаимодействие и противостояние устойчивых и неустойчивых звуков и аккордов) и консонантности (относительная сочетаемость и благозвучие звучащих одновременно тонов). На этом же основана и вся популярная музыка, которую мы слышим.

Соответственно, когда предлагаемая нам мелодия выходит за рамки этих параметров, мы воспринимаем ее как непривычную, непонятную и в некотором отношении даже «испорченную». То есть, если мы не слышим ясно различимого мажоро-минорного сочетания; если аккорды не переходят один в другой привычным способом, согласно вековым правилам (которым и обучают до сих пор в музыкальных школах и училищах); если неустойчивые звуки не разрешаются в устойчивые (что дает нам ощущение комфорта и снятия напряжения); и если одновременные сочетания звуков мы не можем мысленно уложить в хорошо знакомые разновидности трезвучий и септаккордов, то такую музыку мы сразу идентифицируем как чуждую. Она кажется либо слишком «современной», то есть пока еще непонятной, либо инокультурной, поскольку индийская, китайская, японская, арабская и некоторые другие типы музыки строятся на закономерностях, отличающихся от европейской традиции.

Как принять Стравинского

В начале ХХ столетия в музыке (как и в других искусствах) произошли кардинальные перемены. Она уже не должна была казаться красивой в привычном понимании и ощущении. Композиторы стали активно прокладывать новые пути в искусстве, искать новые закономерности связей между музыкальными звуками. И Стравинский, оказавшись в эпицентре современного искусства, принимал самое активное участие в этих поисках.

Игорь Стравинский. Регтайм для 11 инструментов. Исполняет Малазийский филармонический молодежный оркестр под управлением Кевина Филда

Часто в его музыке мы слышим некое подобие привычной и знакомой нам тональности. Но Стравинский смело нарушает давнюю традицию начинать и заканчивать произведение в одной и той же тональности (так сказать, «замыкая круг»), и его «тональность» в большинстве случаев носит временный характер. Еще один намек на привычные звучания - наличие явно различимого основного тона в аккордах, которые, будучи похожими на слегка «подпорченные» трезвучия, на самом деле имеют несколько иную структуру. Главное для Стравинского - не то, что звучит одновременно, а то, как и куда идет та или иная линия общей музыкальной ткани. Поэтому фактуру многих произведений Стравинского в музыковедении принято называть линеарной. Если мы прислушаемся именно к движению и взаимодействию этих линий музыкальной ткани, попытаемся уловить их логику, то сами созвучия, получающиеся при этом у Стравинского, уже не будут казаться диковатыми и некрасивыми - прежде всего потому, что этот параметр отчасти перестанет иметь для нас значение.

Но, конечно, самое главное - это кирпичи стилей. Сами линии или пласты фактуры у Стравинского составлены из так или иначе знакомых нам интонаций, ритмов, характерных мотивов или даже готовых музыкальных фраз того стиля, который он берет за основу в произведении. Распознавая их в его музыке, мы внутренне вливаемся в картину русского народного гулянья в сложной и насыщенной партитуре балета «Петрушка», понимающе пританцовываем в «Регтайме» для 11 инструментов, который вовсе не похож на рэгтайм, или ностальгически улыбаемся звукам оперы «Мавра», которая отсылает наше воображение сразу ко всей русской усадебной культуре.

Игорь Стравинский. Опера «Мавра». Картина первая «Русская песня». Исполняют Елена Ревич (скрипка) и Вадим Холоденко (фортепиано)

Игорь Стравинский подобен художнику-авангардисту, который, смешивая и выкладывая на холст те же самые краски, что и живописец традиционного направления, добивается совершенно иного, необычного и выразительного эффекта. А великолепные примеры неофольклоризма, необарокко, разумного (а не абсурдно-тотального) использования серийной техники и стилизации до сих пор делают его музыку образцом для подражания и предметом для изучения нынешними и будущими композиторами.

Игорь Стравинский, биография которого представлена в данной статье, - это выдающийся русский композитор, пианист и дирижёр. Он является представителем музыкального модернизма. Игорь Фёдорович - один из крупнейших представителей мирового искусства.

Биография

В 1882 году, 17 июня, родился Игорь Стравинский. Краткая биография родителей композитора даёт представление о том, откуда у мальчика такая тяга к музыке. Отец его - Фёдор Игнатьевич - был оперным певцом, солистом Мариинского театра, заслуженным артистом России. Мать Анна Кирилловна была пианисткой. Она принимала участие в концертах мужа в качестве концертмейстера. Семья принимала у себя в доме артистов, музыкантов и писателей. Частым гостем у Стравинских был Ф. М. Достоевский. С детства приобщался к музыке и Игорь Стравинский. Фото родителей композитора представлено в данной статье.

В 9 лет будущий композитор начал брать уроки игры на фортепиано. Когда Игорь Фёдорович окончил гимназию, родители настояли, чтобы он получил юридическое образование. Будущий композитор учился в Санкт-Петербургском университете и параллельно с этим самостоятельно изучал музыкально-теоретические дисциплины. Его единственной композиторской школой были частные уроки, которые Игорь Фёдорович брал у Николая Андреевича Римского-Корсакова. Под руководством этого великого человека И. Стравинский написал первые произведения. В 1914 году Игорь Фёдорович уехал с семьёй в Швейцарию. Вскоре началась Первая мировая война, из-за которой Стравинские не стали возвращаться в Россию. Через год композитор переехал во Францию. С 1936 года Игорь Фёдорович начал ездить в США на гастроли. После того как началась Вторая мировая война, он переехал на постоянное жительство в Америку. В 1944 году И. Стравинский сделал необычную аранжировку гимна США и исполнил произведение на концерте. За это его арестовали. Ему причитался штраф за искажение гимна. Сам композитор предпочитал не афишировать случившееся и всегда говорил, что на самом деле ничего подобного не было. В 1945 году композитор получил американское гражданство. Скончался Игорь Фёдорович в 1971 году. Причина смерти - сердечная недостаточность. Похоронен композитор в русской части кладбища Сан-Микеле в Венеции.

Творческий путь

Как уже было сказано выше, под руководством Николая Андреевича Римского-Корсакова написал свои самые первые произведения Игорь Стравинский. Композитор представлял их на суд публики, и на одном из таких выступлений присутствовал Он дал высокую оценку музыке Игоря Стравинского. Вскоре знаменитый импресарио предложил Игорю Фёдоровичу сотрудничество. Он заказал ему написание музыки к балету для его «Русских сезонов» в Париже. И. Стравинский сотрудничал с С. Дягилевым три года и за это время написал для его труппы три балета, которые сделали его знаменитым: «Весна священная», «Петрушка» и «Жар-птица». В 1924 году Игорь Фёдорович дебютировал как пианист. Собственное произведение - Концерт для фортепиано и духового оркестра - исполнил на сцене Игорь Стравинский. Дирижёр проявился в нём ещё до этого. В таком качестве он выступал с 1915 по 1926 годы. В основном дирижировал исполнением собственных произведений. Он был очень требователен к музыкантам. В 50-60 годы была произведена аудиозапись большинства его сочинений. В 1962 году И. Стравинский приезжал на гастроли в СССР.

Личная жизнь

В 1906 году композитор женился на двоюродной сестре - Екатерине Носенко. Это был брак по большой любви. У четы Стравинских родилось четверо детей: Милена, Людмила, Святослав и Фёдор. Сыновья стали знаменитыми деятелями искусств. Фёдор - художником, а Святослав - пианистом и композитором. Дочь Людмила была женой поэта Юрия Мандельштама. Из-за того, что Екатерина страдала чахоткой, Стравинские уезжали на зиму в Швейцарию, сырой воздух Петербурга пагубно влиял на её здоровье. В 1914 году Игорю Фёдоровичу с семьёй пришлось надолго задержаться в Швейцарии, они не могли вернуться в Россию из-за разразившейся Первой мировой войны, за которой последовала революция. Всё своё имущество и деньги, что оставались в России, семья потеряла. Этот факт воспринял как катастрофу Игорь Стравинский. Семья композитора была немаленькой, и всех их нужно было кормить. Помимо жены и четверых детей, была ещё сестра, племянники и мать. И. Стравинский в этот период перестал получать авторские гонорары за исполнение своих произведений в России. Произошло это из-за того, что он эмигрировал. Все его произведения, изданные в нашей стране, было разрешено исполнять без выплаты денег автору. Чтобы исправить материальное положение, новые редакции своих сочинений сделал Игорь Стравинский. Личная жизнь композитора не обошлась без легенд. Ему приписывали роман с Коко Шанель. Когда И. Стравинский почти не имел средств к существованию, мадемуазель оказала ему помощь. Она пригласила композитора и его семью пожить на своей вилле. Игорь Фёдорович прожил у два года. Она спонсировала организацию концертов И. Стравинского и содержала его семью. Когда композитор уже не жил на её вилле, ещё целых 13 лет Коко ежемесячно отсылала ему деньги. Всё это и породило слухи об их романе. К тому же Коко была женщиной любвеобильной. Но вряд ли эти слухи соответствовали действительности. И. Стравинского интересовали исключительно денежные средства француженки.

В 1939 году супруга Игоря Фёдоровича скончалась. Через некоторое время И. Стравинский снова женился. Второй его супругой стала давняя знакомая композитора - Вера Артуровна Судейкина.

Русский период в творчестве

Игорь Стравинский, фотографии которого представлены в данной статье, на первом этапе развития своей карьеры - это 1908-1923 годы - писал в основном балеты и оперы. Этот период его творческого пути носит название «Русский». Все произведения, написанные им в это время, имеют много общего. Во всех присутствуют мотивы и темы русского фольклора. В балете «Жар-птица» чётко прослеживаются стилистические особенности, присущие произведениям Н. А. Римского-Корсакова.

Неоклассический период в творчестве

Это следующий этап развития творческого пути композитора. Длился он до 1954 года. Начало ему положила опера «Мавра». Основой этого периода стало переосмысление стилей и направлений в музыке 18 века. В конце этого периода в развитии своего творчества композитор обращается к античности, к мифологии Древней Греции. Были написаны балет «Орфей» и опера «Персефона». Последним сочинением И. Стравинского, относящимся к неоклассицизму, является «Похождение повесы». Это опера по наброскам У. Хогарта.

Серийный период в творчестве

В 50-е годы Игорь Стравинский начал пользоваться принципом серийности. Переходным произведением этого периода стала Кантата, написанная на стихи неизвестных английских поэтов. В ней очевидна тотальная полифонизация в музыке. Последующие произведения этого времени были полностью серийными, в них композитор отказался от тональности полностью. «Плач пророка Иеремии» является сочинением полностью додекафонным.

Произведения для музыкального театра

Список опер, балетов, сказок и сцен, которые написал композитор Игорь Стравинский:

• «Свадебка» (либретто Игоря Стравинского).
• «Балетные сцены».
• «Петрушка» (либретто
• «Агон».
• «Игра в карты» (либретто Игоря Стравинского).
• «Аполлон Мусагет».
• «Жар-птица»(либретто М. Фокина).
• «Персефона».
• «Поцелуй феи» (либретто Игоря Стравинского).
• «Пульчинелла».
• «Мавра» (либретто Б. Кохно по поэме Александра Сергеевича Пушкина).
• «Потоп».
• «Байка про лису, петуха, кота да барана» (либретто Игоря Стравинского).
• «Орфей».
• «История солдата» (либретто Ш.Ф.Рамю, основанное на русских сказках).
• «Весна священная».
• «Похождения повесы» (либретто Ч. Коллмена и У. Одена по картинам У. Хогарта).
• «Царь Эдип».
• «Соловей» (либретто С. Митусова по сказке Г. Х. Андерсена).

Список произведений для оркестра

• «Погребальная песня».
• Симфония in C.
• Скерцо в русском стиле.
• «Концертные танцы».
• Поздравительная прелюдия.
• Симфония Es-dur.
• «Дамбартон Оукс».
• Концерт для скрипки с оркестром ре мажор.
• «Фейерверк».
• «Цирковая полька для молодого слона».
• Дивертисмент.
• «Жар-птица» - сюита из балета.
• Каприччио для фортепиано с оркестром.
• «Четыре норвежских настроения».
• Базельский концерт.
• Фантастическое скерцо.
• Сюита из балета «Пульчинелла».
• Вариации, посвящённые памяти Олдоса Хаксли.
• Концерт для фортепиано, духового оркестра, литавр и контрабасов.
• «Движения» для фортепиано с оркестром.
• Симфония в трёх частях.

Для хора

Игорь Стравинский написал немало хоровых произведений. Среди них:

• «Интроит памяти».
• "Симфония псалмов" (для хора с оркестром).
• «Плач пророка Иеремии».
• Кантата «Проповедь, притча и молитва» (для альта, тенора, чтеца, хора, а также оркестра).
• «Символ веры» (произведение для хора без музыкального сопровождения).
• Кантата на стихи К. Бальмонта «Звездоликий».
• «Отче наш» (для хора без музыкального сопровождения).
• "Заупокойные песнопения".
• «Богородице Дево радуйся».
• Кантата «Вавилон» (для чтеца, мужского хора и оркестра).
• Священное песнопение во имя святого Марка.
• "Месса" (для смешанного хора в сопровождении ансамбля духовых инструментов).
• Кантата на стихи анонимных поэтов Англии 15-16 вв.
• «Подблюдные" - русские крестьянские песни для женского хора.
• Гимн на стихи Т. Элиота.

Список камерных произведений

• Эбони-концерт.
• Элегия для альта.
• Три пьесы для кларнета.
• «История солдата» - сюита из оперы для скрипки, кларнета и фортепиано.
• Симфония для духовых инструментов, посвящённая К. Дебюсси.
• Концертный дуэт.
• Три пьесы для струнного квартета.
• Эпитафия к надгробию М. Эгона.
• Прелюдия для джаз-банда.
• Концертино для струнного квартета.
• Рэгтайм.
• Двойной канон памяти Р. Дюфи.
• Фанфары для двух труб.
• Септет для струнных, духовых и фортепиано.
• Колыбельная для двух блокфлейт.
• Октет для духовых.

В память о композиторе

Имя Игоря Стравинского носит музыкальная школа, которая находится в Ораниенбауме. В честь композиора были выпущены почтовые марки и монеты. Во французском городе Монтрё есть музыкальная аудитория имени Игоря Стравинского. На планете Меркурий есть кратер, названный в его честь. Имя «Игорь Стравинский» носят туристический теплоход и самолёт «Аэрофлота» А-319. В честь великого русского композитора названы: улица в Амстердаме, фонтан в Париже, аллея в Лозанне, площадь в Ораниенбауме. На Украине (Волынь) открыт музей Игоря Стравинского. А также там с 1994 года проводится международный музыкальный фестиваль имени этого композитора, дирижёра и пианиста.

Игорь Фёдорович Стравинский (1882 – 1971), русский композитор, дирижёр и пианист.

«Человек тысяча одного стиля», «Композитор-хамелеон», «Законодатель музыкальных мод» Игорь Фёдорович Стравинский - крупнейший композитор ХХ века.

Его наследие сегодня относится к классике современности. Именно ему удалось отразить важнейшие черты эпохи, ее конфликтность, динамизм. Разнообразие тем, сюжетов, подвижность творческой манеры – приметы его универсального стиля, сумевшего с энциклопедической широтой охватить и воплотить духовные процессы современности.

Игорь Фёдорович Стравинский родился 5 (17) июня 1882 года в Ораниенбауме в семье известного певца, солиста Мариинского театра Фёдора Игнатьевича Стравинского. Мать композитора Анна Кирилловна Холодовская была неплохой пианисткой.

С девяти лет Игорь обучался музыке, но, как вспоминает он сам, уже «с трёх лет осознал себя как музыкант». Во время летнего отдыха в деревне он слушал и подражал пению крестьянских девушек, из детства всплывает и воспоминание о впечатлении от военно-духовой музыки, доносившейся из казарм, расположенных неподалёку от петербургской квартиры Стравинских у Крюкова канала.

Как вспоминает композитор в «Хронике моей жизни», одним из незабываемых впечатлений стал 1892 год, когда на юбилейном спектакле «Руслана и Людмилы» ему посчастливилось увидеть Петра Ильича Чайковского - предмет его особой любви: юный музыкант уже тогда успел оценить в его сочинениях «Силу инструментальной изобразительности». Позднее фотография Чайковского с дарственной подписью Фёдору Игнатьевичу хранилась в доме будущего композитора как семейная реликвия.

Надо сказать, что отец Игоря не желал сыну карьеры музыканта-профессионала и определил его на юридический факультет Петербургского университета. Занятия по юриспруденции юношу не увлекали и параллельна занятия музыкой все же продолжались. С 1902 года Стравинский сближается с семьёй Н. А. Римского-Корсакова , который признал его композиторское дарование, но посоветовал развивать гармонический слух, а также разрешил периодически обращаться за консультацией. В течение следующих пяти лет общение между ними стало более тесным и выходило за рамки музыкальных занятий.

Войдя в круг живого музыкального процесса, молодой Стравинский бывал на музыкальных «средах», где собирались виднейшие музыканты, в том числе В. В. Стасов. Там же случались и премьеры сочинений самого Стравинского (сонаты fis-moll и вокализа «Пастораль», который исполнила дочь Николая Андреевича, Надежда). Под чутким руководством Н. А. Римского-Корсакова Стравинский пишет свою Первую симфонию с посвящением «дорогому учителю». Стоит отметить, что обучение у Римского-Корсакова стало единственной композиторской школой Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.

Примерно 1903-1904 годах он входит в кружок «Вечеров современной музыки», по началу втайне от своего учителя, и лишь спустя время Римский-Корсаков узнает, что его ученик «изменяет» своей школе. «Игорь Фёдорович излишне ударился в модернизм»,- с сожалением говорил Николай Андреевич. - Вся эта декадентская лирика полна мглы и тумана». «Фейерверк», «Фантастическое скерцо» (по Метерлинку), опера «Соловей», (по одноименной сказке Андерсена) - все это влияние импрессионизма и символизма.

В 1905 году Стравинский заканчивает университет, годом позже женится на своей кузине Екатерине Носенко. Отказавшись от юридической карьеры, он решает полностью посвятить себя музыке.

На премьере «Фейерверка» (1908) присутствовал Сергей Дягилев , на тот момент известный меценат и основатель журнала «Мир искусства», задававшего тон всему «новому» искусству того времени. Именно этому человеку суждено было сыграть особую роль в дальнейшей судьбе Стравинского.

Высоко оценив талант молодого композитора, Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. Это предприятие, особенно на первых порах, знакомило европейскую публику с блестящими образцами современного русского искусства. Именно благодаря Дягилеву Париж услышал целиком оперы Мусоргского, увидел русский балет. Мысль о русском сказочном балете уже давно преследовала Дягилева. Как вспоминает балетмейстер М. Фокин, «самым фантастическим созданием народной сказки и вместе с тем наиболее подходящим для танцевального воплощения является Жар-птица!».

Спустя несколько месяцев после начала работы композитор А. Лядов возвратил ему присланное либретто балета, и Дягилев окончательно решил остановить свой выбор на Стравинском. К 1910 году партитура была готова, ярко тембровая, импрессионистская по духу. Этот балет-сенсацию постепенно готовили балетмейстер М. Фокин, будущие исполнители главных ролей - Т. Карсавина , В. Нижинский , художник А. Головин, а также постоянные консультанты Дягилева - А. Бенуа, и Л. Бакст. Стравинский и Фокин подолгу сидели за роялем в поисках синхронности движения и музыки. «Я для него мимировал сцены, - вспоминает балетмейстер. - Он по моей просьбе разбивал свои или народные темы на короткие фразы, соответственно моментам сцены, жестам. Стравинский следил за мной и вторил мне отрывками мелодии Царевича на фоне таинственного трепета, изображающего сад злого Кащея».

Несколько лет спустя Стравинский сделал из музыки балета новую оркестровую пьесу, перередактировав её текст и исключив все тембровые излишества. В новом варианте сюита из «Жар-птицы» завоевала всемирную популярность.

В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский создаёт ещё два балета, принёсших ему мировую известность, среди них «Петрушка» и «Весна священная». Первый из них – «потешные сцены», авторами которых стали сам Стравинский, Бенуа и Дягилев (1911). После премьеры балета в Париже с восторгом о музыке «Петрушки» отзывается Дебюсси, называя автора «гением колорита и ритма».

Балет «Весна священная» - «картины языческой Руси» на либретто Рериха. После проигрывания в четыре руки только что законченной партитуры «Весны» Лалуа воспоминает: «Мы были немы, сражены до глубины души, как после урагана, пришедшего из глубин веков и пустившего корни в нашу жизнь» (1913).

Вскоре после премьеры Стравинский, находясь в Швейцарии, заболел брюшным тифом и одно время был почти при смерти. Больного навещали Дебюсси , М. де Фалья, А. Казелла, Равель. Заслуживает упоминания единственная встреча Стравинского со Скрябиным . Оба музыканта в сдержанной форме проявили взаимный интерес. Стравинский попросил автора «Поэмы экстаза» прислать ему его последние фортепианные сонаты. Здесь же он познакомился с экспрессионизмом, «Лунным Пьеро» А. Шенберга.

«Швейцарский» период сыграл особую роль в жизни и творчестве Стравинского. В нем чувствовался интерес к русским национальным образам, к русской экзотике, к сказке, фольклору. Об этом говорит хотя бы перечень произведений, созданных в те годы: «Прибаутки», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «История солдата».

В июле 1914 года Стравинский начал работать над «Свадебкой», изначально планировавшейся как балетный дивертисмент. Композитор отправился в Киев, надеясь разыскать поэтический сборник русских народных песен П. Киреевского и ещё кое-какие материалы. Заехав затем в Устилуг, своё фамильное поместье, он намеревался той же осенью вернуться в Киев за материалами. Но жизнь нарушила его планы: через несколько дней после возвращения в Швейцарию началась война. Стравинский решил не возвращаться ни в Париж, ни на родину, а остаться в нейтральной Швейцарии. Он обосновался в Кларане. И за последующие семь лет исколесил почти всю часть французской Швейцарии - Кларан, Сальван, Морж.

В 1917 году Стравинский посетил Рим и Неаполь. Там он познакомился с Пабло Пикассо, с которым у него завязалась тесная дружба. В Швейцарии же он дебютировал в качестве дирижёра собственной музыки, завязалась тесная дружба с поэтом Ш. Рамюзом и дирижёром Эрнестом Ансерме.

В 1919 году Стравинский выехал в Париж. Вокруг него образовался кружок близких друзей, с которыми устанавливались все более тесные отношения, это были молодые модернисты: «моднейшие парижане», Жан Кокто, Пабло Пикассо, Равель, Бенуа, Нижинский, художники Матисс, Гончарова, Ларионов. В салоне меценатки Э. Полиньяк, особо благоволившей к Стравинскому, он сблизился с Мануэлем де Фальей, Габриелем Форе, Эриком Сати. Молодая французская «Шестёрка» (Ж. Орик, Ф. Пуленк, Д. Мийо и другие) тоже видела в Стравинском своего вдохновителя. Позднее Стравинский много общался с писателем Андре Жидом, Чарли Чаплином.

В первые годы после возвращения во Францию композитор был по-прежнему тесно связан с Дягилевым. В Европе с успехом шли его балеты, особенно «Петрушка». В 1921 году он отправился на гастроли в Испанию, Бельгию, Голландию, Германию. 22 мая 1924 года состоялся концертный дебют Стравинского как пианиста. С оркестром С. Кусевицкого он исполнил свой Концерт для фортепиано.

В 1925 году он впервые отправился в поездку в США. Последующие Американские турне 1937, 1939 годы все более укрепляли его творческие связи с этой страной. К середине 1920-х годов относится очередное увлечение Стравинского интерес к механическому фортепиано, сконструированному французской фирмой «Плейель». Композитора увлекла возможность создания документальной авторской записи, которая могла бы служить своего рода эталоном. Он специально изучал акустические принципы записей и обусловливаемые ими особенности гармонии, голосоведения, приспосабливал к роялю оркестровые партитуры и даже создал новую оркестровку « Свадебки» , специально рассчитанную на использование механических роялей и электрогармониума.

Стравинский фактически жил в доме главы фирмы «Плейель». И, кстати, именно там произошла его встреча с В. Маяковским, приехавшим в 1923 году в Париж. Увлечение пианолами прошло столь же скоро, как и многие другие преходящие увлечения. Так, например, в Швейцарии он увлекался велосипедным спортом, во Франции стал страстным автомобилистом. Быстро научившись вождению, он изъездил на своём «Рено-Гочкисе» весь Лазурный берег.

В 1939 году во Франции умерла жена композитора Е. Носенко. Несколько раньше он потерял мать и старшую дочь. Кончину близких композитор переживал очень остро, тогда впервые возникло желание переехать в другую страну. Но помимо этого были и другие причины. В 1936 году друзья сыграли со Стравинским злую шутку: они уговорили его выставить свою кандидатуру в число «бессмертных» - во Французскую академию изящных искусств. На выборах, однако, он был скандально провален, и вместо него был выбран довольно средний французский композитор Флоран Шмидт. Этот инцидент не был случайностью. Уже и до того многие французы, особенно же французская музыкальная молодёжь, стали изменять своему былому кумиру: все чаще раздавались голоса, требующие свергнуть с пьедестала иностранного «мэтра».

Все это проходило не бесследно для самочувствия Стравинского, тогда уже гражданина Франции. В то же время поездки в США укрепляли его связи с американскими фирмами, оркестрами, меценатами. По их заказам он написал ряд сочинений. В 1939 году по приглашению Гарвардского университета он прочёл курс лекций о своей музыкальной эстетике.

Разразившаяся Вторая мировая война послужила последним и непосредственным толчком к окончательному решению: пароход «Mauntbatten» доставил композитора к берегам его «третьей родины». Стравинский жил во Франции с 1920 по 1940 год. В Париже состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), «Свадебки» (1923) - итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».

В начале сороковых годов открылся новый период творческой биографии Стравинского, который можно назвать «американским». В декабре 1939 года он по приглашению уезжает на Западный берег США - в Сан-Франциско и Лос-Анжелес. Города Калифорнийского побережья напоминали композитору Лазурный берег Франции. Было решено обосноваться именно здесь, в Калифорнии, в Голливуде. В те годы на побережье Тихого океана поселилось немало крупных писателей и музыкантов, эмигрировавших из объятой пламенем войны с фашизмом Европы: Томас Манн, Лион Фейхтвангер, Арнольд Шенберг и многие другие.

Живя в центре американской кинопромышленности, Стравинский неизменно отвергал любые предложения работать для кино, утверждая, что его не удовлетворяет принцип случайности, определяющий сочинение киномузыки. Находясь в самом эпицентре джаза, композитор не обходит стороной и это направление. Для негритянского оркестра Вуди Германа он пишет в 1945 году «Чёрный концерт», с типично джазовыми эффектами, виртуозными соло кларнета и «цветовой партитурой» (выступления его сопровождались световыми эффектами при помощи разноцветных прожекторов).

Постепенно музыкальный язык Стравинского становится более аскетичным. На смену динамизму приходит сдержанность. Композитор обращается к серийной технике, и отныне она станет доминирующим в организации музыкальной ткани его сочинений. Первое серийное сочинение – Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стал Threni (Плач пророка Иеремии; 1958 г.). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, - это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода - Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.

В 1947 году состоялось знакомство Стравинского с Робертом Крафтом, молодым дирижёром. Вскоре он стал постоянным музыкальным ассистентом и сотрудником Стравинского, интерпретатором его сочинений. Регулярное многолетнее общение Крафта со Стравинским послужило основой для публикации их «Диалогов».

Значительную группу представляют сочинения, являющиеся данью памяти ушедшим друзьям и близким. Окружение Стравинского редеет, и к концу жизни он все сильнее ощущает своё одиночество: «Сегодня у меня нет собеседников, которые смотрели бы на мир моими глазами».

К мемориальным опусам относятся – «Траурные каноны и песнь памяти Дилана Томаса» (l954), «Эпитафия» (l959), «Элегия Джону Кеннеди» (1964), вариации памяти Олдоса Хаксли (l964), Introitus памяти Томаса Элиота, и, наконец, последнее, крупное сочинение - Requiem Canticles для контральто и баса соло, хора и оркестра (l966). «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину», «Реквием в моем возрасте слишком задевает за живое», «сочиняю шедевр своих последних лет» - признается И. Стравинский.

И все же интенсивность композиторской и исполнительской деятельности не утихала и в глубокой старости, до 85-летнего возраста сохранялся строгий рабочий распорядок: полгода - каждодневная творческая работа, полгода – концертные турне. В 1962 году Стравинский посетил Москву и Ленинград. Поездка на родину, по словам самого композитора, его очень воодушевила.

Одно из последних, завершённых его произведений – обработка для камерного оркестра двух духовных песен Гуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И. С. Баха (1968-1970).

Но на этом творческая деятельность мастера обрывается. 6 апреля 1971 года, за 2 месяца до своего 89-летия Игорь Фёдорович Стравинский скончался. Он похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), в так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

Путь Стравинского изобилует частыми модуляциями: от Юношеской симфонии, отмеченной влиянием Глазунова и Брамса , к русскому импрессионизму «Жар-птицы» и «Соловья», далее к неопримитивизму «Весны священной». Октет духовых возвестил поворот к неоклассицизму, в котором за тридцать лет также наметилось несколько параллельных течений.

И, наконец, Септет 1952 года открыл ещё одну главу в творческой биографии Стравинского - период сериализма. Его художественные симпатии простираются от Баха до Булеза, от свадебного русского чина до французского модерна, от строгих метров античного стиха до острых джазовых ритмов - таков круг его художественных симпатий. Почти каждая новая глава в биографии Стравинского - это глава в истории западноевропейской музыки ХХ века.

Творчество Стравинского, в сущности, далеко от событий реальной действительности. Композитор сравнивает эстетическое чувство слушателя музыки с ощущением, которое испытываешь, созерцая «игру архитектурных форм» . Поэтому он бежит современности, отворачивается от ее героев, и лишь иногда мощный ветер жизненных бурь врывается в его музыкальный мир.

В музыке Стравинский больше всего боится «произвола» исполнителя, все равно - пианиста, дирижёра, актёра. Искусство представления - точное выполнение авторских намерений - вот его идеал! Герои должны быть лишены «романтических» переживаний. Поэтому такое большое значение приобретает нонперсонификация, обезличивание главных героев (Невеста в «Свадебке», Избранница в «Весне священной», в «Байке» главные герои - мимические фигуры, а поют за них другие артисты, спрятанные в оркестре, либо целый хор).

Феномен музыки дан нам единственно для того, чтобы внести порядок во все существующее, включая прежде всего отношения между «человеком и временем». Особенности характера композитора накладывали отпечаток на его творчество, например, профессиональные качества точности, пунктуальности, предусмотрительности, хронометрической интуиции. Неслучайно Стравинского называли композитором-хронометром, композитором-инженером, а его друг Ж. Кокто уверял, что рабочее место этого композитора напоминает «хорошо организованный операционный стол хирурга».

Творчество Стравинского до сих пор чрезвычайно актуально. Именно ему удалось пройти практически через весь ХХ век, при этом, надевая разные маски стилей, остаться верным себе. Композитор и сам, заканчивая «Хронику», пишет: «Я не живу ни в прошлом, ни в будущем. Я - в настоящем. Я не знаю, что будет завтра. Для меня существует лишь истина сегодняшнего дня. Этой истине я призван служить и служу ей с полным сознанием».

Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке XX века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней содержатся идеи, доступные всеобщему восприятию.

Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В русский период (1908-начала 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т.д.

В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонии («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) - не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения).

Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 века. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 века.

Один из крупнейших композиторов XX столетия, Игорь Федорович Стравинский оставил наследие, поразительное по ширине замыслов, по разнообразию жанров, по многогранности интересов. Огромное количество произведений создано им на протяжении более чем 65-летнего творческого пути. Оперы и балеты, симфонии и концерты, пьесы вокальные и инструментальные, своеобразные синтетические формы...

Сочинения, в которых воссоздается древняя Русь, основанные на глубоко самобытном претворении национального фольклора, и музыка, являющаяся данью восхищения композиторами прошлого... Сочинения, вдохновленные античными мифами и библейскими текстами, народными сказками - и гравюрами XVIII века... Сочинения, продолжающие традиции Римского-Корсакова, и «варварски-скифские», неоклассические и додекафонные...

Весь чрезвычайно продолжительный творческий путь Стравинского принято разделять на три периода.

Первый из них - «русский». Он ознаменован безраздельным господством русской тематики - будь то народная сказка, языческая обрядовость, городские бытовые сцены или пушкинская поэма. Именно в этот период создаются «Петрушка», «Жар-птица», «Весна священная», «История солдата», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «Мавра», «Свадебка». Мир русской ярмарки с ее озорными плясками, балаганами, уличными наигрышами шарманки и гармоники нашел свое яркое отражение в "Петрушке"; на фоне праздничного разгула толпы представлены трагические смятения кукольного героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной. Впечатление оглушительного взрыва произвела музыка "Весны священной" - балета, рисующего картины языческой Руси. "Весна священная" ознаменовала начало нового этапа в истории мировой музыки. Стремясь передать "варварский" дух далекой древности, автор применил неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы, буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений использованы необычные ритмы, оригинальные инструментальные эффекты.

Второй период, начало которого падает на 20-е годы, известен как «неоклассический». Охватывающий более 30 лет, он особенно характерен многообразием манер и «истоков»: Стравинский как бы внутренне перерабатывает музыку Баха и Люлли, Пепрголези и Гайдна, Моцарта и Вебера, Бетховена и Чайковского, создавая по их «моделям» музыку самобытную и современную - Симфонию До мажор и Симфонию в трех частях, балет «Апполон Мусагет» и мелодраму «Персефона», Скрипичный концерт и концерт «Думбартон Окс», оперу-ораторию «Царь Эдип» и оперу «Похищение повесы».

Третий период творчества Стравинского, который подготовлялся исподволь, внутри второго, наступает в начале 50-х годов. Дважды посетив Европу в течении 1951-1952 годов (в это время композитор постоянно живет в Америке), он осваивает додекафонную технику. На основе этой техники, своеобразно претворенной индивидуальностью великого музыканта, и создаются его последние произведения - балет «Агон», кантата «Трени», опера-балет «Потоп», «Три песни из Уильяма Шекспира», «Траурная музыка» памяти поэта Дилана Томаса и другие.

Три произведения являются главными в творчестве Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это "Священное песнопение", (1955-1956), "Плач пророка Иеремии", (1957-1958), "Заупокойные песнопения" (1965-1966).

Высшее достижение Стравинского - Реквием ("Заупокойные песнопения"). В 84 года Стравинский создал произведение, отличающееся истинными художественными прозрениями. Музыкальная речь стала более ясной и одновременно образной, эмоционально контрастной. Реквием - итоговое сочинение Стравинского, и не только потому, что это его последняя крупная вещь, но и потому, что она вобрала в себя, синтезировала, обобщила многое из предшествующего художественного опыта композитора.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР РАВЕЛЯ (ИСПАНСКИЙ ЧАС, ДИТЯ И ВОЛШЕБСТВО)

Значение Равеля определяется яркой оригинальностью его музыки, исключительным совершенством композиторского мастерства. Музыка Равеля характеризуется сжатыми формами, четким и непринужденным построением мелодических фраз, большой динамичностью. Большое место в творчестве Равеля занимает хореография, народный танец.

Его одноактный балет "Дафнис и Хлоя" явился новаторским произведением в этом жанре. В балете использована звучность хора (без слов), музыка отличается подлинно симфоническим характером, живостью ритмов и яркостью оркестровых красок. Второй одноактный балет - "Моя матушка гусыня" (по мотивам французских сказок, переделан из фортепианной сюиты, пост. 1915, Париж) проникнут глубоко народным складом музыки, в нем проявилось богатейшее дарование Равеля-мелодиста. Все хореографические произведения Равеля вошли в симфонический репертуар оркестров многих стран.

Первая опера Равеля "Испанский час" (1907, пост. 1911, Париж) обновляет жанр лирической музыкальной комедии; она отмечена тонким юмором, блеском вокального и оркестрового стиля. Вторая его одноактная опера "Дитя и волшебство" названа автором "лирической фантазией"; в ней оживает фантастический мир игрушек, зверей, даже предметов домашнего обихода - часы, кушетка и т. д. Опера овеяна поэзией детства. В то же время в ней проявилась и тонкая ирония Равеля.

"Естественные истории" подготовили меня к сочинению "Испанского часа", музыкальной комедии на текст г-на Франк-Ноэна, которая является не чем иным, как своего рода музыкальным разговором. Основной замысел этого произведения - возрождение жанра оперы-буфф.

Совсем иного плана "Дитя и волшебства", лирическая фантазия в двух действиях, в которой преследуются, однако, те же цели. Мелодическое начало, господствующее в ней, опирается на сюжет, который мне хотелось трактовать в духе американской опер етты. Либретто г-жи Колетт позволяло подобную вольность в музыкальной феерии. Тут господствует пение. Оркестр, хотя и не лишенный виртуозности, остается на втором плане.

«ДИТЯ И ВОЛШЕБСТВО» . В опере, которую сам автор назвал «лирической фантазией» оживает мир игрушек, зверей и предметов домашнего обихода. Среди действующих лиц – старое кресло, разбитая чашка, деревья, звери, птицы и даже… учебник арифметики – всё овеяно поэзией детства. Ее герой – шестилетний мальчик, наказанный матерью за непослушание. Он срывает своё недовольство, пытаясь «назло» всё сломать и испортить. В его сне мир неузнаваемо преображается, и мальчик начинает постигать, что всё вокруг него полно жизни. Тяжело вздыхает раненное его ножом дерево, белка жалуется, что мальчик мучает её подружку. Он пытается подружиться с животными и растениями, но они его боятся из-за тех обид, что он им причинил, когда они ещё были неодушевленными…

Во время Второй мировой войны директор Парижской оперы Жак Руше попросил известную французскую писательницу Сидони-Габриель Колетт подготовить текст для сказочного балета. В оригинале история называлась «Дивертисменты для моей дочки». После того, как Колетт выбрала Равеля, ему в 1916 году был прислан на фронт текст, но письмо потерялось. В 1917 году Равель, наконец, получил копию текста и согласился написать партитуру. Работа длилась долго, и Колетт уже потеряла надежду на то что она когда-нибудь завершится, но, 21 марта 1925 года опера была поставлена в Монте Карло с хореографией Жоржа Баланчина. Равель сравнивал её со своей предыдущей работой («Испанский час») «Больше, чем когда-либо я за мелодию. Да, мелодия, бельканто, вокализы, вокальная виртуозность – это главное. Здесь лирическая фантазия зовет мелодию и ничего, кроме мелодии... Партитура «Дитя и Волшебства» это смесь стилей и эпох, от Баха до... Равеля».

Опера «Дитя и волшебство» – является признанным шедевром Мориса Равеля. Музыкальный язык сочинения свидетельствует об активных экспериментах композитора в области гармонии, ритма, лада, оркестровки. Это проявляется в обращении к бытовым жанрам (вальс, марш, городской шансон), ритмам новых для того времени танцев (фокстрота, канкана, регтайма), использование не «музыкальных» звуков (шумов, скрипа, треcка). Музыка отдельных сцен, таких как марш-скерцо Часов, фокстрот Чашки и Чайника, сцена Задачника, дуэт Кота и Кошки содержит джазово-блюзовые звучания, характерные для эстетики мюзикла, мюзик-холла.

...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей, музыкальные фестивали, рекламу...
И. Стравинский

...Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного...
Д. Шостакович

Творческая жизнь И. Стравинского - это живая история музыки XX в. В ней, как в зеркале, отразились процессы развития современного искусства, пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей, постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что композитор заслужил от современников прозвище «человек с тысячью лиц». Он подобен Фокуснику из своего балета «Петрушка» : свободно перемещает жанры, формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам собственной игры. Утверждая, что «музыка способна выражать лишь самое себя», Стравинский тем не менее стремился жить «con Tempo» (т. е. вместе со временем). В «Диалогах», изданных в 1959-63 гг., он вспоминает уличные шумы в Петербурге, масленичные гулянья на Марсовом поле, которые, по его словам, помогли ему увидеть своего Петрушку. А о «Симфонии в трех движениях » (1945) композитор говорил как о произведении, связанном с конкретными впечатлениями о войне, с воспоминаниями о бесчинствах коричневорубашечников в Мюнхене, жертвой которых едва не стал он сам.

Поразителен универсализм Стравинского. Он проявляется в широте охвата явлений мировой музыкальной культуры, в многообразии творческих исканий, в интенсивности исполнительской - пианистической и дирижерской - деятельности, продолжавшейся более 40 лет. Беспрецедентны масштабы его личных контактов с выдающимися людьми. Н. Римский-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягилев, художники «Мира искусства», А. Матисс, П. Пикассо, Р. Роллан. Т. Манн, А. Жид, Ч. Чаплин, К. Дебюсси, М. Равель, А. Шенберг, П. Хиндемит, М. де Фалья, Г. Форе, Э. Сати, французские композиторы группы «Шести» - вот имена некоторых из них. Всю жизнь Стравинский находился в центре общественного внимания, на перекрестке важнейших художественных путей. География его жизни охватывает множество стран.

Детство Стравинского прошло в Петербурге, жить в котором, по его словам, «было захватывающе интересно». Родители не стремились дать ему профессию музыканта, но вся обстановка благоприятствовала музыкальному развитию. В доме постоянно звучала музыка (отец композитора Ф. Стравинский был известным певцом Мариинского театра), имелась большая художественная и музыкальная библиотека. С детского возраста Стравинского увлекала русская музыка. Десятилетним мальчиком ему посчастливилось увидеть П. Чайковского, которого он боготворил, посвятив ему много лет спустя оперу «Мавра » (1922) и балет «Поцелуй феи » (1928). «Героем моего детства» называл Стравинский М. Глинку. Высоко ценил М. Мусоргского, считал его «самым правдивым» и утверждал, что в его собственных сочинениях есть влияния «Бориса Годунова». Дружеские отношения возникли с членами Беляевского кружка, особенно с Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Рано сформировались литературные интересы Стравинского. Первым настоящим событием стала для него книга Л. Толстого «Детство, отрочество, юность», кумирами в течение всей жизни оставались А. Пушкин и Ф. Достоевский.

Занятия музыкой начались с 9 лет. Это были уроки фортепианной игры. Однако к серьезной профессиональной учебе Стравинский приступил лишь после 1902 г., когда, будучи студентом юридического факультета Петербургского университета, он начал заниматься с Римским-Корсаковым. В это же время он сблизился с С. Дягилевым, художниками «Мира искусства», посещал «Вечера современной музыки», концерты новой музыки, устраивавшиеся А. Зилоти. Все это послужило толчком к быстрому художественному взрослению. Первые композиторские опыты Стравинского - Соната для фортепиано (1904), вокально-симфоническая сюита «Фавн и пастушка» (1906), Симфония ми-бемоль мажор (1907), «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк» для оркестра (1908) отмечены влиянием школы Римского-Корсакова и французских импрессионистов. Однако с момента постановки в Париже балетов «Жар-птица » (1910), «Петрушка » (1911), «Весна священная » (1913), заказанных Дягилевым для «Русских сезонов», происходит колоссальный творческий взлет в том жанре, который Стравинский в дальнейшем особенно любил за то, что, по его словам, балет - «единственная форма сценического искусства, которая ставит в краеугольный камень задачи красоты и более ничего».

Триада балетов открывает первый - «русский» - период творчества, названный так не по месту пребывания (с 1910 г. Стравинский подолгу живет за границей, а в 1914 г. поселяется в Швейцарии), а благодаря проявившимся в это время особенностям музыкального мышления, глубоко национального по сути. Стравинский обратился к русскому фольклору, различные пласты которого очень своеобразно преломились в музыке каждого из балетов. «Жар-птица» поражает буйной щедростью оркестровых красок, яркими контрастами поэтической хороводной лирики и огненных плясов. В «Петрушке», названном А. Бенуа «балетомулицей», звучат популярные в начале века городские мелодии, оживает шумная пестрая картина масленичного гулянья, которой противопоставлена одинокая фигура страдающего Петрушки. Древний языческий обряд жертвоприношения определил содержание «Весны священной», воплотившей стихийный порыв к весеннему обновлению, могучие силы разрушения и созидания. Композитор, погрузившись в недра фольклорной архаики, столь радикально обновляет музыкальный язык, образы, что на современников балет произвел впечатление разорвавшейся бомбы. «Гигантским маяком XX века» назвал его итальянский композитор А. Казелла.

В эти годы Стравинский сочинял интенсивно, работая нередко сразу над несколькими совершенно разными по характеру и стилю произведениями. Это были, например, русские хореографические сцены «Свадебка » (1914-23), в чем-то перекликающиеся с «Весной священной», и изысканно-лирическая опера «Соловей » (1914). «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана », возрождающая традиции скоморошьего театра (1917), соседствует с «Историей солдата » (1918), где русский мелос уже начинает нейтрализоваться, попадая в сферу конструктивизма, элементов джаза.

В 1920 г. Стравинский переехал во Францию и в 1934 г. принял французское подданство. Это был период чрезвычайно насыщенной творческой, а также исполнительской деятельности. Для молодого поколения французских композиторов Стравинский стал высшим авторитетом, «музыкальным мэтром». Однако провал его кандидатуры во Французскую академию изящных искусств (1936), все более крепнущие деловые связи с США, где он дважды успешно концертировал, а в 1939 г. прочел курс лекций по эстетике в Гарвардском университете, - все это побудило его переехать в начале второй мировой войны в Америку. Он обосновался в Голливуде (Калифорния) и в 1945 г. принял американское подданство.

Начало «парижского» периода совпало у Стравинского с крутым поворотом к неоклассицизму, хотя в целом общая картина его творчества была достаточно пестрой. Начав с балета «Пульчинелла » (1920) на музыку Дж. Перголези, он создает целую серию произведений в неоклассическом стиле: балеты «Аполлон Мусагет » (1928), «Игра в карты » (1936), «Орфей » (1947); оперу-ораторию «Царь Эдип » (1927); мелодраму «Персефона » (1938); оперу «Похождения повесы » (1951); Октет для духовых (1923), «Симфонию псалмов » (1930), Концерт для скрипки с оркестром (1931) и др. Неоклассицизм Стравинского носит универсальный характер. Композитор моделирует различные музыкальные стили эпохи Ж. Б. Люлли, И. С. Баха, К. В. Глюка, поставив своей целью установить «господство порядка над хаосом». Это характерно для Стравинского, всегда отличавшегося стремлением к строгой рациональной дисциплине творчества, не допускавшей эмоциональных перехлестов. Да и сам процесс сочинения музыки Стравинский осуществлял не по наитию, а «ежедневно, регулярно, наподобие человека со служебным временем».

Именно эти качества определили особенность следующего этапа творческой эволюции. В 50-60-е гг. композитор погружается в музыку добаховской эпохи, обращается к библейским, культовым сюжетам, а с 1953 г. начинает применять жестко конструктивную додекафонную технику сочинения. «Священное песнопение в честь апостола Марка» (1955), балет «Агон » (1957), «Монумент Джезуальдо ди Веноза к 400-летию» для оркестра (1960), кантата-аллегория «Потоп» в духе английских мистерий XV в. (1962), Реквием («Заупокойные песнопения», 1966) - вот наиболее значительные произведения этого времени.

Стиль Стравинского становится в них все более аскетичным, конструктивно-нейтральным, хотя сам композитор говорит о сохранении в его творчестве национальных истоков: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе». Одним из последних сочинений Стравинского был канон на тему русской песни «Не сосна у ворот раскачалася», использованной ранее в финале балета «Жар-птица».

Так, завершая жизненный и творческий путь, композитор возвратился к истокам, к музыке, олицетворявшей далекое русское прошлое, тоска по которому всегда присутствовала где-то в глубинах сердца, прорываясь иногда в высказываниях, и особенно усилилась после посещения Стравинским Советского Союза осенью 1962 г. Именно тогда произнес он знаменательные слова: «У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни».